Recording Industry Association of Japan에 따르면 1986년 일본에서는 12cm CD 4,512만 장과 LP 4,275만 1천 장이 생산됐다. CD 생산량이 처음으로 LP를 넘어선 해였다. 바이닐은 여전히 중요했고 카세트도 흔했으며 7인치 싱글이 팝 시장의 상당 부분을 계속 이끌었지만, 균형은 바뀌고 있었다.
몇몇 앨범은 그 변화를 분명하게 드러냈다. 渡辺美里 (Misato Watanabe)는 19세에 더블 앨범을 발표했다. 安全地帯 (Anzen Chitai)는 36곡을 3장의 LP 또는 2장의 CD에 담았다. 吉田美奈子 (Minako Yoshida)는 직접 CD 제작비를 마련해 3,000장을 판매했다. 새로운 녹음 도구도 스튜디오의 작업 방식을 바꾸었고, 이를 사용해야 했던 음악가들의 상당한 저항이 뒤따르기도 했다.
하지만 1986년을 포맷 변화만으로 설명할 수는 없다. 松田聖子 (Seiko Matsuda)는 Album Grand Prix를 수상했다. BOØWY는 8개월 간격으로 두 장의 중요한 앨범을 냈다. 일본 메탈은 해외 진출을 이어 갔고, 초기 일본 랩은 앨범에 담기기 시작했으며, Dragon Quest의 오케스트라 음악은 게임 콘솔 밖으로 나왔다. 吉村弘 (Hiroshi Yoshimura)는 수십 년 뒤 국제적으로 재평가될 앰비언트 앨범을 발표했다.
아래 50장의 앨범은 네 가지 이유로 선정했다. 1986년 당시의 영향, 예술적 또는 산업적 변화를 보여 준 정도, 후대에 미친 영향, 혹은 연간 판매 차트로는 충분히 드러나지 않는 장면에서의 중요성이다. 순위가 아니라 연대순으로 제시한 편집자 선정이다.
1월부터 3월
1. VOW WOW — III
Tony Platt가 프로듀스한 VOW WOW의 세 번째 앨범은 일본 밖에서 본격적으로 커리어를 구축하려는 시도의 일부였다. 밴드는 1986년 후반 영국으로 거점을 옮겨 몇 년 동안 그곳에서 활동했다. III는 일본 헤비 메탈이 해외 진출을 추상적인 목표가 아니라 제작, 매니지먼트, 투어 결정을 포함한 실질적 프로젝트로 다루기 시작한 순간을 기록한다.
2. 矢野顕子 (Akiko Yano) — 峠のわが家 (Tōge no Wagaya)
Akiko Yano가 MIDI에서 발표한 첫 오리지널 앨범으로, 坂本龍一 (Ryuichi Sakamoto)와 공동 프로듀스했다. Sony의 회고 자료는 이 작품을 테크노 팝 시기 이후 재즈 쪽으로 돌아선 앨범으로 설명한다. 그래서 Tōge no Wagaya는 1986년을 이해하는 데 유용하다. 전자적 프로덕션이 확산되고 있었지만, Yano는 지배적인 팝 모델을 따르기보다 더 느슨한 음악 언어 안에서 이를 활용했다.
3. ローザ・ルクセンブルグ (Rosa Luxemburg) — ぷりぷり (Puri Puri)
Rosa Luxemburg는 약 1년 반밖에 활동하지 않았지만, 첫 앨범은 일본 록에서 오래 남는 기준점이 됐다. 교토 출신의 이 그룹은 독특한 리듬, 구어적 언어, 오래된 일본 음악의 요소를 결합하면서도 당시 대형 공연장으로 향하던 밴드들과는 닮지 않았다. 해체 뒤에도 どんと (Donto)와 BO GUMBOS를 통해 영향은 이어졌다.
4. PINK — 光の子 (Hikari no Ko)
PINK의 두 번째 앨범은 뉴 웨이브, 펑크, 정교한 스튜디오 프로덕션 사이를 오가던 6인조 밴드의 작업이다. 1986년 인터뷰를 보면 멤버들이 외국 밴드와의 반복적인 비교에서 벗어나 자신들만의 정체성을 만들고자 했음을 알 수 있다. Hikari no Ko는 그해 가장 눈에 띈 팝·록 성공작 바깥에서 성장하던 야심찬 스튜디오 문화를 보여 준다.
5. BOØWY — JUST A HERO
JUST A HERO는 BOØWY가 급격한 성장에서 대중적 성공으로 넘어가는 데 필요한 음악적 정체성을 확립했다. 밴드는 같은 해 후반 처음으로 Nippon Budokan 무대에 섰다. 이후 일본 록 관련 투표와 평론가 목록에서 이 앨범이 차지한 위치는 BOØWY 현상의 규모와 작품 자체의 평판을 구분해 준다. 가장 자주 밴드의 핵심적인 예술적 선언으로 언급되는 앨범이다.
6. THE SQUARE — S・P・O・R・T・S
1980년대 일본 퓨전에는 큰 청중이 있었고, S・P・O・R・T・S에는 그 장르에서 가장 오래 남은 곡 중 하나가 들어 있다. 和泉宏隆 (Hirotaka Izumi)가 쓴 “TAKARAJIMA”는 이 앨범에서 처음 스튜디오 버전으로 발표됐고 이후 THE SQUARE의 대표 레퍼토리가 됐다. 이 작품은 아이돌과 록 밴드만으로 요약되기 쉬운 1986년 음악사에서 연주 음악의 자리를 되돌려 준다.
7. おニャン子クラブ (Onyanko Club) — 夢カタログ (Yume Catalogue)
Yume Catalogue는 Onyanko Club이 텔레비전과 아이돌 팝의 관계를 다시 만들고 있던 시기에 1위를 차지했다. 夕やけニャンニャン (Yūyake Nyan Nyan)의 정기 출연, 계속 바뀌는 멤버 구성, 수많은 솔로와 유닛 발매가 음악 주위에 확장형 연속 포맷을 만들었다. 이 시스템은 1986년 일본 대중문화의 중요한 현상 가운데 하나였다.
8. 岡田有希子 (Yukiko Okada) — ヴィーナス誕生 (Venus Tanjō)
Yukiko Okada의 네 번째이자 마지막 스튜디오 앨범은 유난히 강한 작가진을 중심으로 만들어졌다. EPO, Ryuichi Sakamoto, 大貫妙子 (Taeko Onuki), かしぶち哲郎 (Tetsuro Kashibuchi)가 모두 참여했다. Venus Tanjō는 가수이자 해석자로서 Okada의 성장을 기록한다. 발매 뒤의 비극이 이 작업 자체를 모두 덮어버리지 않도록, 음악을 중심으로 다룰 필요가 있다.
9. 大貫妙子 (Taeko Onuki) — Comin’ Soon
Taeko Onuki는 Comin’ Soon을 어른과 아이가 함께 들을 수 있는 음악으로 구상했다. NHK의 みんなのうた (Minna no Uta)와 연결된 곡들, 그림책, Ryuichi Sakamoto, 清水信之 (Nobuyuki Shimizu), 大村憲司 (Kenji Omura)의 편곡을 한데 묶었다. 결과적으로 싱어송라이터 팝, 어린이 미디어, 의뢰 음악을 별개의 활동처럼 나누지 않고 연결한다.
10. LOUDNESS — SHADOWS OF WAR
LOUDNESS는 Atlantic과 계약해 미국 앨범 시장에 진입한 뒤 프로듀서 Max Norman과 SHADOWS OF WAR를 녹음했다. 관련 해외판 LIGHTNING STRIKES는 제목, 트랙 순서, 믹스가 달랐다. 이 차이는 해외 진출이 실제로 어떻게 진행됐는지 보여 준다. 밴드는 이미 돌파구를 만들었지만, 일본에서 만든 음악은 여전히 다른 시장에 맞게 조정되고 있었다.
4월부터 6월
11. 吉村弘 (Hiroshi Yoshimura) — GREEN
GREEN은 Hiroshi Yoshimura의 환경음악 작업 가운데 하나로, 청취자의 집중을 독점하기보다는 공간 자체를 형성하도록 작곡된 음악이다. 오랫동안 희귀한 음반으로 남았지만 재발매와 국제적 재평가 이후 일본 앰비언트를 접하는 대표적인 입문작이 됐다. 1986년 당시보다 후대의 평가가 더 큰 앨범이라는 점이 오히려 선정 이유다. 동시대 판매량이 모든 지속적인 작품의 가치를 측정하지는 못한다.
12. 聖飢魔II (SEIKIMA-II) — THE END OF THE CENTURY
SEIKIMA-II의 두 번째 “grand scripture”에는 그룹의 대표곡 중 하나인 “蝋人形の館 (Rōningyō no Yakata)”가 수록돼 있다. 밴드는 헤비 메탈과 정교한 악마 캐릭터 설정을 결합했고, 이를 대중적인 텔레비전 무대로 옮기는 법도 알고 있었다. 콘셉트가 시선을 끌었다면 연주력은 첫 충격 이후에도 남을 만큼 충분한 내용물을 제공했다.
13. 坂本龍一 (Ryuichi Sakamoto) — 未来派野郎 (Futurista)
Ryuichi Sakamoto는 이탈리아 미래주의를 참조하면서 Fairlight CMI를 적극 활용했다. 샘플링은 앨범의 구성과 주제 모두를 형성했다. 공식 회고 자료는 Futurista를 비교적 과도기적인 音楽図鑑 (Ongaku Zukan) 이후, 그의 솔로 정체성이 YMO로부터 완전히 독립된 시기의 작품으로 본다.
14. 山下達郎 (Tatsuro Yamashita) — POCKET MUSIC
Warner의 POCKET MUSIC 관련 자료는 Tatsuro Yamashita가 제작 과정에서 디지털 녹음과 컴퓨터 음악을 두고 씨름했다고 설명한다. 따라서 이 앨범은 아날로그 스튜디오 작업을 통해 이미 높은 기준을 세운 음악가의 시선으로 기술 전환을 기록한다. 작품은 그해 주요 상업적 성공작 가운데 하나가 됐고 Japan Record Awards에서도 평가받았다.
15. 芸能山城組 (Geinoh Yamashirogumi) — 輪廻交響楽 (Ecophony Rinne)
네 부분으로 구성된 Ecophony Rinne는 집단 보컬, 가믈란, 생태적 사상, 오디오 기술을 결합한다. 이후 일본 영화사와의 연결도 명확하다. 이 앨범을 들은 大友克洋 (Katsuhiro Otomo)가 Geinoh Yamashirogumi에게 AKIRA의 음악을 의뢰했다. 이후 사운드트랙에서 두드러진 방법론과 규모가 이미 이 작품에 존재했다는 점에서 중요한 연결이다.
16. 松田聖子 (Seiko Matsuda) — SUPREME
Japan Record Awards는 SUPREME을 1986년 Album Grand Prix 수상작으로 선정했다. 앨범은 1위에도 올랐으며 Seiko Matsuda의 대표적 장기 레퍼토리가 된 “瑠璃色の地球 (Ruriiro no Chikyū)”를 담고 있다. 그 성공은 아이돌 프로덕션과 일관된 앨범 프로젝트가 일본 음악 산업 중심에서 충분히 공존할 수 있었음을 보여 준다.
17. TM NETWORK — GORILLA
TM NETWORK는 세 번째 앨범을 통해 “FANKS”라는 말을 정착시켰다. 팬층과 함께 그룹의 funk와 punk 혼합을 가리키는 표현이었다. GORILLA는 프로그램된 사운드와 밴드 연주의 균형을 발전시켰고, 이는 곧 Self Control과 “Get Wild”로 이어졌다. 상업적 돌파 직전의 작업 모델을 보여 주는 앨범이다.
18. 薬師丸ひろ子 (Hiroko Yakushimaru) — 花図鑑 (Hana Zukan)
꽃은 Hana Zukan을 조직하는 중심 아이디어다. 다양한 작가들이 곡을 제공했고, 앨범의 정체성은 소재 선택과 배열, Hiroko Yakushimaru의 해석에서 만들어졌다. 한 명의 가수가 모든 곡을 직접 쓰거나 작곡하지 않아도 완결된 앨범을 형성할 수 있다는 좋은 사례다.
19. 角松敏生 (Toshiki Kadomatsu) — TOUCH AND GO
TOUCH AND GO는 일본과 뉴욕의 스튜디오 네트워크를 오가며 녹음됐고 Japan Record Awards에서 앨범상을 받았다. Toshiki Kadomatsu는 이미 가수, 작곡가, 편곡가, 프로듀서 역할을 동시에 수행하고 있었으며, 이 기능들은 이후 커리어에서 더 중요해졌다. 앨범은 그에게 연결되는 세련된 팝과 펑크 뒤에 얼마나 많은 기획과 전문 작업이 있었는지 보여 준다.
20. 少年ナイフ (Shonen Knife) — PRETTY LITTLE BAKA GUY
Shonen Knife는 세 번째 앨범을 일본에서 Zero Records를 통해 발표했고, 1986년 10월 미국에서도 출시했다. 같은 해 11월에는 Sub Pop 100 컴필레이션에도 참여했다. 이 발매들은 얼터너티브 록이 세계적 대형 시장이 되기 몇 년 전, 일본 밴드가 독립적인 국제 경로를 개척한 사례를 기록한다.
21. SION — SION
SION의 첫 메이저 레이블 앨범은 싱글 “俺の声 (Ore no Koe)”와 같은 시기에 나왔다. “コンクリート・リバー (Concrete River)”와 “SORRY BABY” 같은 초기 곡도 들어 있으며 이후 그의 카탈로그에서 중요한 위치를 유지했다. 거친 목소리와 직접적인 글쓰기를 지닌 싱어송라이터를 확립한 데뷔작으로, 당시 빠르게 성장하던 밴드들과 다른 일본 록의 형태를 제시했다.
22. 菊池桃子 (Momoko Kikuchi) — ADVENTURE
Momoko Kikuchi의 세 번째 앨범은 이후 해외에서도 재발매되며 city pop의 고전으로 소개됐다. 그러나 그 후대의 분류가 원래의 아이돌 팝 맥락을 가려서는 안 된다. 세련된 작곡, 편곡, 스튜디오 프로덕션은 바로 아이돌 시장을 통해 대규모 청중에게 도달했다.
23. P-MODEL — ONE PATTERN
ONE PATTERN은 P-MODEL의 일곱 번째 앨범이자 긴 활동 중단 전에 나온 마지막 작품이었다. 1986년에는 전자 팝이 일본에서 이미 흔해졌지만, Susumu Hirasawa의 작곡과 프로덕션은 그 사운드의 주류 버전에 쉽게 흡수되지 않았다. 이 앨범은 더 이른 일본 뉴 웨이브 장면을 그해 음악사 안에 남겨 둔다.
24. DEAD END — DEAD LINE
DEAD END는 메이저 레이블로 옮기기 전 첫 앨범을 독립적으로 발표했다. DEAD LINE은 일본 하드 록과 메탈의 더 어둡고 극적인 면을 발전시키는 데 기여했고, 이후 visual kei와 관련된 많은 음악가에게도 영향을 줬다. 후대의 장르 표기만큼이나 당시 독립 시장에서의 초기 영향이 중요하다.
7월부터 9월
25. 中山美穂 (Miho Nakayama) — SUMMER BREEZE
Miho Nakayama의 세 번째 앨범은 Toshiki Kadomatsu와의 중요한 협업을 시작했고, 훗날 히트곡이 된 “You’re My Only Shinin’ Star”의 원곡을 수록했다. SUMMER BREEZE는 신인 아이돌에서 보다 분명한 음악적 정체성을 가진 가수로 성장하는 초기 단계에 해당한다.
26. 渡辺美里 (Misato Watanabe) — Lovin’ you
Misato Watanabe는 19세에 이 더블 앨범을 발표했다. Lovin’ you는 1위를 차지했고, 공식 사이트에 따르면 연간 앨범 차트 7위에 올랐으며 Japan Record Awards에서도 평가받았다. 두 장이라는 분량 자체가 중요하다. 젊은 가수에게 레퍼토리와 정체성을 구축할 넓은 공간이 주어졌다.
27. PSY・S — PIC-NIC
PSY・S는 사운드 디자이너 松浦雅也 (Masaya Matsuura)와 보컬 CHAKA의 조합이었다. 두 번째 앨범은 직선적인 팝 송 안에 전자적 프로덕션을 사용하면서 CHAKA 특유의 프레이징을 살렸다. Matsuura가 훗날 리듬 게임 발전에 관여했다는 사실은 또 다른 역사적 연결을 만들지만, PIC-NIC은 그 자체로도 당대 일본 전자 팝의 중요한 앨범이다.
28. KUWATA BAND — NIPPON NO ROCK BAND
桑田佳祐 (Keisuke Kuwata)는 Southern All Stars의 활동 중단기에 KUWATA BAND를 결성했다. 그룹의 유일한 스튜디오 앨범은 전곡 영어로 불렸고, 그해 큰 판매작 가운데 하나가 되었으며 Japan Record Awards에서도 인정받았다. 제목과 언어는 1986년 일본 음악가들에게 미국과 영국 록이 여전히 중요한 기준점이었음을 보여 준다.
29. 1986 OMEGA TRIBE — Navigator
Omega Tribe 프로젝트는 새 보컬 カルロス・トシキ (Carlos Toshiki)를 중심으로 다시 구성됐고, 변화는 새 이름에도 반영됐다. “君は1000% (Kimi wa 1000%)”는 1986 OMEGA TRIBE에 즉각적인 히트를 안겼고, Navigator는 새 체제를 앨범 전체로 확립했다. 현재의 city pop 이미지보다 먼저 일본 주류 시장에서 성공적인 재출발이 있었다.
30. テレサ・テン (Teresa Teng) — 時の流れに身をまかせ (Toki no Nagare ni Mi wo Makase)
Teresa Teng는 동아시아 전역에서 큰 커리어를 쌓은 대만 출신 가수였다. 일본 시장용 오리지널 앨범인 이 작품은 일본 활동의 핵심이었기에 일본 음악사에도 속한다. 타이틀곡은 그의 대표곡 가운데 하나가 됐고 Japan Record Awards에서 작곡상을 받았다. 일본 대중음악이 국경을 넘나드는 아티스트와 청중에 의해 얼마나 많이 형성됐는지를 보여 주기도 한다.
31. 中森明菜 (Akina Nakamori) — 不思議 (Fushigi)
Fushigi는 Akina Nakamori가 처음으로 전면 셀프 프로듀스한 앨범이다. 믹스는 보컬을 앞에 선명하게 세우기보다 음악 속에 의도적으로 묻어 넣었다. 일본을 대표하는 아이돌 가수 중 한 명에게는 이례적인 선택이었다. 앨범은 1위에 오르며 실험적인 콘셉트 음반을 대중에게 전달했고, 자신의 녹음에 대한 Nakamori의 주도권을 확립했다.
32. 久石譲 (Joe Hisaishi) — 天空の城ラピュタ サウンドトラック 飛行石の謎 (Tenkū no Shiro Rapyuta Soundtrack: Hikōseki no Nazo)
Joe Hisaishi의 사운드트랙은 Studio Ghibli의 첫 장편영화와 함께했고 宮崎駿 (Hayao Miyazaki)와의 협업을 이어 갔다. 앨범은 8월 LP와 카세트로, 9월 CD로 나왔으며 “君をのせて (Kimi wo Nosete)”를 포함한다. 영화 밖에서도 오래 살아남은 점은 사운드트랙 앨범이 대중적 청취와 공동의 음악 기억으로 자리 잡았음을 보여 준다.
33. 浜田省吾 (Shogo Hamada) — J.BOY
J.BOY는 몇 주 동안 1위를 차지했고 Japan Record Awards에서도 인정받은 더블 앨범이다. Shogo Hamada는 긴 러닝타임을 활용해 개인적인 글쓰기와 노동, 불평등, 사회적 분위기를 연결했다. 일본 록이 성인 청중을 향하면서도 주류 시장을 장악할 수 있음을 보여 준 대표적인 사례가 됐다.
34. 浜田麻里 (Mari Hamada) — PROMISE IN THE HISTORY
Mari Hamada는 여섯 번째 앨범의 모든 가사를 직접 쓰고 일본 하드 록 장면의 음악가들과 작업했다. 이 음반은 LP 차트 톱10에 올랐다. 작사가이자 주인공으로서 그녀의 위치가 중요하다. PROMISE IN THE HISTORY는 남성 밴드 중심으로 서술되기 쉬운 일본 메탈의 발전 속에 여성의 창작과 목소리를 분명히 놓는다.
35. 吉田美奈子 (Minako Yoshida) — BELLS
Minako Yoshida는 BELLS를 직접 제작하고 초판 CD 3,000장을 판매했다. 일부 홍보 문구는 이를 세계 최초의 독립 제작 CD라고 부르지만, 그 주장은 결정적으로 확인하기 어렵다. 검증 가능한 사실만으로도 의미는 충분하다. 이미 확립된 일본 싱어송라이터가 새로운 포맷을 이용해 기존 메이저 레이블 유통 과정 밖에서 앨범을 내놓았다.
36. CASIOPEA — SUN SUN
기타리스트 野呂一生 (Issei Noro)가 SUN SUN을 프로듀스했고 Carlos Alomar가 연주자이자 작곡가로 참여했다. CASIOPEA는 이미 자신만의 일본 퓨전 스타일을 확립했기 때문에 국제 협업을 위해 정체성을 다시 만들 필요가 없었다. 이 앨범은 성숙한 장면이 미국과 영국의 주요 스튜디오 네트워크 음악가들과 직접 협업하고 있었음을 보여 준다.
37. いとうせいこう (Seiko Ito) & TINNIE PUNX — 建設的 (Kensetsuteki)
Kensetsuteki는 일본 랩의 기초를 만든 앨범 중 하나라고 하는 편이 정확하다. “최초”라고 단정하면 정의 문제 때문에 오히려 작품 자체가 가려진다. Seiko Ito, 高木完 (Kan Takagi), 藤原ヒロシ (Hiroshi Fujiwara), ヤン富田 (YAN TOMITA)는 랩을 일본어, 당시 사용 가능한 장비, 아직 매우 작은 장면에 맞게 적용하고 있었다. 앨범은 그 초기 해법을 기록한다.
10월부터 12월
38. すぎやまこういち (Koichi Sugiyama) / 東京弦楽合奏団 (Tokyo String Ensemble) — 組曲「ドラゴンクエスト」 (Suite Dragon Quest)
Koichi Sugiyama는 NHK Symphony Orchestra에서 선발한 연주자들로 구성된 앙상블을 지휘해 오리지널 Dragon Quest를 바탕으로 한 첫 오케스트라 앨범을 만들었다. 원래 제목은 Suite Dragon Quest이며 후속 녹음에서는 Symphonic Suite가 사용됐다. 이 음반은 게임 음악을 게임과 분리해 편곡하고 공연하고 판매할 수 있는 독립적인 레퍼토리로 자리 잡게 하는 데 기여했다.
39. REBECCA — TIME
REBECCA의 다섯 번째 앨범은 1위를 기록하고 장기 판매작이 됐다. 여성을 솔로 팝 가수나 아이돌로 보는 경향이 강했던 시장에서 NOKKO가 일본 최대급 록 밴드 중 하나를 이끌었다는 사실은 중요했다. TIME은 여성 프런트의 밴드가 일본 록의 중심적인 상업 세력이 될 수 있음을 보여 줬다.
40. THE ALFEE — AGES
Rolling Stone Japan은 AGES를 THE ALFEE의 첫 본격 콘셉트 앨범으로 설명한다. 같은 해 밴드는 Tokyo Bay Area에서 10만 명 앞에 섰다. 두 사건은 1986년 THE ALFEE의 서로 다른 면을 보여 준다. 더 구조화된 앨범 프로젝트와, 록을 거대한 규모로 공연할 수 있는 능력이다.
41. BOØWY — BEAT EMOTION
BOØWY는 JUST A HERO 8개월 뒤 BEAT EMOTION을 발표했다. 전자가 밴드의 예술적 정체성을 확립했다면 후자는 급격한 성장을 대중적 상업 성공으로 전환했다. 같은 해 안에서 서로 다른 단계를 기록하기 때문에 두 장 모두 포함했다. 11월 무렵 BOØWY는 이후 많은 일본 록 밴드가 따를 모델을 만들고 있었다.
42. 中島みゆき (Miyuki Nakajima) — 36.5℃
Miyuki Nakajima는 자신의 열네 번째 앨범을 甲斐よしひろ (Yoshihiro Kai)와 공동 프로듀스했다. 여러 주요 편곡가가 참여했고 뉴욕 Power Station에서 믹스됐다. 36.5℃는 이미 확립된 싱어송라이터가 1980년대 중반의 스튜디오 사운드를 받아들이면서도 작곡과 해석을 앨범의 중심에 유지하는 모습을 보여 준다.
43. THE STREET SLIDERS — 天使たち (Tenshi-tachi)
佐久間正英 (Masahide Sakuma)가 THE STREET SLIDERS의 다섯 번째 앨범을 프로듀스했고 Michael Zimmerling이 믹스했다. 블루스 기반의 록은 BOØWY와 연결되는 더 깔끔하고 빠른 스타일과 달랐지만, 두 팀 모두 같은 성장 시장에서 활동했다. Tenshi-tachi는 1987년 초 THE STREET SLIDERS의 첫 Nippon Budokan 공연 직전에 나왔다.
44. ムーンライダーズ (Moonriders) — DON’T TRUST OVER THIRTY
Moonriders는 5년간의 활동 중단에 들어가기 전 열한 번째 앨범을 발표했다. 제목은 1970년대부터 일본 New Music 형성에 기여한 그룹 내부에서 노화를 유머와 불안으로 바라본다. 이 앨범은 커리어의 첫 장을 닫고, 이전 세대와 주변의 더 젊은 뉴 웨이브 및 록 장면을 연결한다.
45. 松任谷由実 (Yumi Matsutoya) — ALARM à la mode
Yumi Matsutoya의 열여덟 번째 오리지널 앨범은 1위에 올랐다. LP, 카세트, CD 버전이 모두 같은 날 나왔다는 점은 포맷이 변화하던 해를 잘 보여 준다. 매년 내는 앨범이 일본 시장의 정기적인 이벤트가 된 아티스트가 이제 세 가지 포맷으로 동시에 청중을 만났고, 아직 어느 하나도 부차적으로 취급되지 않았다.
46. あぶらだこ (Aburadako) — あぶらだこ (Aburadako), “Blue Album”
Aburadako의 두 번째 셀프 타이틀 앨범으로 파란 커버 때문에 흔히 “Blue Album”으로 불린다. 1985년 데뷔작은 “Wood Album”이며 두 음반이 종종 혼동된다. 1986년 작품은 하드코어 펑크를 불규칙한 리듬, 밀도 높은 언어, 전통적인 노래 형식을 거부하는 구조로 밀어붙였다. 후대의 비평적 평가는 일본 언더그라운드에 그해 역사에서 필요한 자리를 마련해 준다.
47. 佐野元春 with THE HEARTLAND (Motoharu Sano with THE HEARTLAND) — Café Bohemia
THE HEARTLAND는 앨범의 모든 반주를 맡았고 처음으로 Motoharu Sano와 함께 아티스트 크레디트에 이름을 올렸다. Café Bohemia는 록, 팝, 여러 흑인 음악의 영향을 통해 그의 작곡을 확장했고, 이미 뚜렷한 집단 정체성을 형성한 밴드가 이를 뒷받침했다. 크레디트는 이 그룹이 작업에서 얼마나 중요해졌는지를 정확히 반영한다.
48. 安全地帯 (Anzen Chitai) — 安全地帯V (Anzen Chitai V)
Anzen Chitai V는 36곡을 담아 3LP와 2CD로 출시됐다. 프로젝트의 규모는 밴드의 상업적 위치와 CD가 제공한 추가 재생 시간을 동시에 반영한다. 포맷 전환기에 앨범이 실제로 확장되는 모습을 보여 주는 이 목록의 가장 직접적인 사례다.
49. 中森明菜 (Akina Nakamori) — CRIMSON
Nakamori가 1986년에 낸 두 번째 1위 앨범은 竹内まりや (Mariya Takeuchi)의 곡 5개와 小林明子 (Akiko Kobayashi)의 곡 5개로 구성됐다. 정확히 절반씩 나눈 구조는 CRIMSON에 뚜렷한 내부 설계를 만들면서 Nakamori의 해석을 중심에 둔다. 훗날 city pop과 연결되며 새 청중을 얻었지만, 정교하게 연출된 아이돌 앨범이라는 원래의 강점은 변하지 않는다.
50. 喜多郎 (Kitaro) — 天空 (Tenku)
Tenku는 Kitaro와 Geffen의 전 세계 계약을 시작했고 미국 앨범 시장에서의 커리어 출발점이 됐다. 해외 진출 방식은 LOUDNESS나 VOW WOW의 하드 록·메탈 전략과 달랐다. Kitaro는 신시사이저와 뉴에이지 음악의 국제 시장으로 들어갔다. 이 앨범은 같은 해 일본 음악가들이 여러 형태의 해외 유통을 시험하고 있었다는 그림을 완성한다.