Segundo a Recording Industry Association of Japan, 45,12 milhões de CDs de 12 centímetros e 42,751 milhões de LPs foram fabricados no Japão em 1986. Pela primeira vez, a produção de CDs havia ultrapassado a de LPs. O vinil continuava importante, as fitas cassete ainda eram comuns e os singles de 7 polegadas seguiam impulsionando grande parte do mercado pop, mas o equilíbrio estava mudando.
Vários álbuns tornaram essa mudança visível. 渡辺美里 (Misato Watanabe) lançou um álbum duplo aos 19 anos. 安全地帯 (Anzen Chitai) preencheu três LPs ou dois CDs com 36 faixas. 吉田美奈子 (Minako Yoshida) financiou um CD por conta própria e vendeu 3.000 cópias. Novas ferramentas de gravação também mudaram o trabalho dentro dos estúdios, às vezes após considerável resistência dos próprios músicos que precisavam usá-las.
Mas o ano não pode ser reduzido a uma questão de formato. 松田聖子 (Seiko Matsuda) venceu o Album Grand Prix. BOØWY lançou dois grandes álbuns com oito meses de diferença. O metal japonês continuou avançando no exterior, o rap japonês em seus primeiros passos chegou ao formato álbum, a música orquestral de Dragon Quest deixou o console e 吉村弘 (Hiroshi Yoshimura) lançou um disco ambient cuja reputação internacional cresceria décadas depois.
Os 50 álbuns abaixo foram selecionados por quatro razões: seu impacto em 1986, a mudança artística ou industrial que representaram, sua influência ou sua importância para uma cena pouco refletida nas paradas anuais de vendas. É uma seleção editorial apresentada em ordem cronológica, não um ranking.
Janeiro a março
1. VOW WOW — III
Produzido por Tony Platt, o terceiro álbum do VOW WOW fazia parte de uma tentativa séria de construir uma carreira fora do Japão. A banda mudou-se para o Reino Unido ainda em 1986 e trabalhou a partir de lá durante vários anos. III registra o momento em que o heavy metal japonês começou a tratar a expansão internacional como um projeto prático, sustentado por decisões de produção, gerenciamento e turnês.
2. 矢野顕子 (Akiko Yano) — 峠のわが家 (Tōge no Wagaya)
Este foi o primeiro álbum original de Akiko Yano pela MIDI e foi coproduzido com 坂本龍一 (Ryuichi Sakamoto). Uma retrospectiva da Sony o descreve como um retorno em direção ao jazz depois de sua fase techno-pop. Essa direção torna Tōge no Wagaya especialmente útil para observar 1986: a produção eletrônica se espalhava, mas Yano a inseria em uma linguagem musical mais solta em vez de seguir o modelo pop dominante.
3. ローザ・ルクセンブルグ (Rosa Luxemburg) — ぷりぷり (Puri Puri)
Rosa Luxemburg esteve ativo por apenas cerca de um ano e meio, mas seu primeiro álbum tornou-se uma referência duradoura do rock japonês. O grupo de Kyoto combinava ritmos incomuns, linguagem vernacular e elementos de músicas japonesas mais antigas sem se parecer com as bandas que então caminhavam para grandes arenas. Sua influência continuou por meio de どんと (Donto) e BO GUMBOS após o fim do grupo.
4. PINK — 光の子 (Hikari no Ko)
O segundo álbum do PINK veio de um grupo de seis integrantes que trabalhava entre new wave, funk e uma produção de estúdio minuciosa. Entrevistas publicadas em 1986 mostram o quanto seus membros queriam estabelecer uma identidade própria e escapar das comparações constantes com bandas estrangeiras. Hikari no Ko representa a ambiciosa cultura de estúdio que se desenvolvia fora dos sucessos pop e rock mais visíveis daquele ano.
5. BOØWY — JUST A HERO
JUST A HERO estabeleceu a identidade musical que levaria o BOØWY do crescimento acelerado ao sucesso de massa. O grupo fez seu primeiro show no Nippon Budokan mais tarde naquele ano. Sua presença posterior em enquetes e listas críticas do rock japonês também separa a reputação do álbum da dimensão do fenômeno BOØWY: este é o disco mais frequentemente preservado como a declaração artística central da banda.
6. THE SQUARE — S・P・O・R・T・S
A fusion japonesa tinha um grande público nos anos 1980, e S・P・O・R・T・S contém uma de suas composições mais duradouras. “TAKARAJIMA”, escrita por 和泉宏隆 (Hirotaka Izumi), apareceu aqui em sua primeira versão de estúdio e permaneceu como um padrão no repertório do THE SQUARE. O álbum devolve à música instrumental o lugar que merece em um ano frequentemente resumido por idols e bandas de rock.
7. おニャン子クラブ (Onyanko Club) — 夢カタログ (Yume Catalogue)
Yume Catalogue chegou ao primeiro lugar enquanto o Onyanko Club remodelava a relação entre televisão e idol pop. A presença regular do grupo em 夕やけニャンニャン (Yūyake Nyan Nyan), sua formação mutável e os muitos lançamentos solo e de subunidades criaram um formato serial em expansão ao redor da música. Esse sistema foi um dos grandes fatos da cultura popular japonesa em 1986.
8. 岡田有希子 (Yukiko Okada) — ヴィーナス誕生 (Venus Tanjō)
O quarto e último álbum de estúdio de Yukiko Okada foi construído em torno de um grupo excepcionalmente forte de autores e compositores. EPO, Ryuichi Sakamoto, 大貫妙子 (Taeko Onuki) e かしぶち哲郎 (Tetsuro Kashibuchi) contribuíram para o projeto. Venus Tanjō documenta o desenvolvimento de Okada como intérprete e merece ser discutido por esse trabalho, sem deixar que a tragédia posterior ao lançamento consuma tudo o mais.
9. 大貫妙子 (Taeko Onuki) — Comin’ Soon
Taeko Onuki concebeu Comin’ Soon como música que adultos pudessem ouvir com crianças. O projeto reunia canções ligadas ao programa みんなのうた (Minna no Uta) da NHK, um livro ilustrado e arranjos de Ryuichi Sakamoto, 清水信之 (Nobuyuki Shimizu) e 大村憲司 (Kenji Omura). O resultado conecta pop autoral, mídia infantil e música por encomenda sem tratar essas áreas como atividades separadas.
10. LOUDNESS — SHADOWS OF WAR
LOUDNESS gravou SHADOWS OF WAR com o produtor Max Norman após assinar com a Atlantic e entrar no mercado norte-americano de álbuns. A edição internacional relacionada, LIGHTNING STRIKES, usou outro título, outra ordem de faixas e outra mixagem. Essas mudanças mostram como a expansão internacional funcionava na prática: a banda havia avançado, mas seu material japonês ainda era ajustado para outro mercado.
Abril a junho
11. 吉村弘 (Hiroshi Yoshimura) — GREEN
GREEN foi uma das obras de música ambiental de Hiroshi Yoshimura, composta para moldar um espaço tanto quanto para ocupar toda a atenção do ouvinte. O álbum permaneceu raro por anos antes que sua reedição e reconhecimento internacional o transformassem em uma porta de entrada comum para o ambient japonês. Sua importância para 1986 é principalmente retrospectiva, e é justamente por isso que pertence a esta seleção: as vendas da época não medem todos os discos que acabam perdurando.
12. 聖飢魔II (SEIKIMA-II) — THE END OF THE CENTURY
O segundo “grand scripture” do SEIKIMA-II inclui “蝋人形の館 (Rōningyō no Yakata)”, uma das canções mais conhecidas do grupo. A banda combinava heavy metal com personagens demoníacos elaborados e sabia levar essa apresentação para a televisão de grande público. O conceito atraía atenção, enquanto a qualidade musical lhe deu substância suficiente para sobreviver ao impacto inicial.
13. 坂本龍一 (Ryuichi Sakamoto) — 未来派野郎 (Futurista)
Ryuichi Sakamoto recorreu ao futurismo italiano enquanto trabalhava extensivamente com o Fairlight CMI. O sampling moldou tanto a construção quanto o tema do álbum. Retrospectivas oficiais situam Futurista no estágio em que sua identidade solo se tornou plenamente independente do YMO, depois do mais transitório 音楽図鑑 (Ongaku Zukan).
14. 山下達郎 (Tatsuro Yamashita) — POCKET MUSIC
O relato da Warner sobre POCKET MUSIC descreve Tatsuro Yamashita lutando com a gravação digital e a música computadorizada durante sua produção. O álbum, portanto, documenta a transição técnica do ponto de vista de um músico cujos padrões já haviam sido formados pelo trabalho analógico em estúdio. Tornou-se um dos grandes álbuns comerciais do ano e recebeu reconhecimento no Japan Record Awards.
15. 芸能山城組 (Geinoh Yamashirogumi) — 輪廻交響楽 (Ecophony Rinne)
As quatro partes de Ecophony Rinne combinam vozes coletivas, gamelão, ideias ecológicas e tecnologia de áudio. Seu papel posterior na história do cinema japonês é bem documentado: o álbum convenceu 大友克洋 (Katsuhiro Otomo) a pedir que Geinoh Yamashirogumi criasse a música de AKIRA. A conexão importa porque os métodos e a escala associados àquela trilha sonora posterior já estavam presentes aqui.
16. 松田聖子 (Seiko Matsuda) — SUPREME
O Japan Record Awards nomeou SUPREME vencedor do Album Grand Prix de 1986. O disco também chegou ao primeiro lugar e inclui “瑠璃色の地球 (Ruriiro no Chikyū)”, que se tornou uma das canções mais duradouras de Seiko Matsuda. Seu sucesso confirma que produção idol e um projeto de álbum coerente eram perfeitamente compatíveis no centro do mercado musical japonês.
17. TM NETWORK — GORILLA
TM NETWORK usou seu terceiro álbum para estabelecer o termo “FANKS”, que se referia tanto ao público quanto à mistura de funk e punk do grupo. GORILLA desenvolveu o equilíbrio entre som programado e performance de banda que em breve sustentaria Self Control e “Get Wild”. Ele registra o modelo de trabalho imediatamente anterior ao avanço comercial do grupo.
18. 薬師丸ひろ子 (Hiroko Yakushimaru) — 花図鑑 (Hana Zukan)
Flores fornecem a ideia organizadora de Hana Zukan, cujas canções vieram de uma ampla variedade de autores. A identidade do álbum nasce da escolha do material, de sua sequência e da interpretação de Hiroko Yakushimaru. É um bom exemplo de como uma intérprete podia moldar um álbum como obra completa sem ser sua única autora ou compositora.
19. 角松敏生 (Toshiki Kadomatsu) — TOUCH AND GO
TOUCH AND GO foi gravado através de redes de estúdios japoneses e nova-iorquinos e recebeu um prêmio de álbum no Japan Record Awards. Toshiki Kadomatsu já atuava como cantor, compositor, arranjador e produtor, funções que se tornariam cada vez mais importantes em sua carreira. O álbum reflete a quantidade de planejamento e trabalho especializado por trás do pop e do funk polidos associados a ele.
20. 少年ナイフ (Shonen Knife) — PRETTY LITTLE BAKA GUY
Shonen Knife lançou seu terceiro álbum pela Zero Records no Japão antes de ele aparecer nos Estados Unidos em outubro de 1986. O grupo também foi incluído na coletânea Sub Pop 100 em novembro. Esses lançamentos documentam uma rota indie internacional precoce para uma banda japonesa, vários anos antes de o rock alternativo se tornar um grande mercado global.
21. SION — SION
O primeiro álbum de SION por uma grande gravadora chegou ao mesmo tempo que o single “俺の声 (Ore no Koe)”. Ele também inclui canções iniciais como “コンクリート・リバー (Concrete River)” e “SORRY BABY”, que permaneceram centrais em seu catálogo. O debut estabeleceu um compositor cuja voz áspera e escrita direta ofereciam outra forma de rock japonês ao lado das bandas em rápida expansão naquele ano.
22. 菊池桃子 (Momoko Kikuchi) — ADVENTURE
O terceiro álbum de Momoko Kikuchi foi posteriormente relançado internacionalmente e apresentado como um clássico do city pop. Essa categoria posterior não deve obscurecer seu lugar original dentro do idol pop. Sua escrita sofisticada, seus arranjos e sua produção de estúdio alcançaram um grande público precisamente por meio do mercado idol.
23. P-MODEL — ONE PATTERN
ONE PATTERN foi o sétimo álbum do P-MODEL e o último antes de o grupo entrar em um longo hiato. Em 1986, o pop eletrônico já era comum no Japão, mas a escrita e a produção de Susumu Hirasawa continuavam difíceis de absorver na versão mainstream daquele som. O álbum mantém a primeira cena new wave japonesa presente na história daquele ano.
24. DEAD END — DEAD LINE
DEAD END lançou seu primeiro álbum de forma independente antes de migrar para uma grande gravadora. DEAD LINE ajudou a desenvolver o lado mais sombrio e teatral do hard rock e do metal japoneses que influenciaria músicos posteriores, incluindo muitos associados ao visual kei. Seu impacto inicial no mercado independente é tão importante quanto os rótulos que lhe foram aplicados depois.
Julho a setembro
25. 中山美穂 (Miho Nakayama) — SUMMER BREEZE
O terceiro álbum de Miho Nakayama iniciou uma colaboração importante com Toshiki Kadomatsu e incluiu a versão original de “You’re My Only Shinin’ Star” antes que a canção se tornasse um sucesso posterior. SUMMER BREEZE marca um estágio inicial no desenvolvimento de Nakayama, de nova idol a cantora com uma identidade musical mais claramente definida.
26. 渡辺美里 (Misato Watanabe) — Lovin’ you
Misato Watanabe tinha 19 anos quando lançou este álbum duplo. Lovin’ you chegou ao primeiro lugar, ficou em sétimo no ranking anual de álbuns segundo seu site oficial e recebeu reconhecimento no Japan Record Awards. Sua duração faz parte de sua importância: uma cantora tão jovem recebeu dois discos para estabelecer repertório e identidade.
27. PSY・S — PIC-NIC
PSY・S reuniu o sound designer 松浦雅也 (Masaya Matsuura) e a cantora CHAKA. Seu segundo álbum utilizou produção eletrônica dentro de canções pop diretas, deixando espaço para o fraseado característico de CHAKA. O papel posterior de Matsuura no desenvolvimento dos jogos de ritmo acrescenta outra conexão histórica, mas PIC-NIC já se sustenta como um grande álbum de pop eletrônico japonês de sua época.
28. KUWATA BAND — NIPPON NO ROCK BAND
桑田佳祐 (Keisuke Kuwata) formou KUWATA BAND enquanto Southern All Stars estava em pausa. O único álbum de estúdio do grupo foi inteiramente cantado em inglês, tornou-se um dos grandes vendedores do ano e recebeu reconhecimento no Japan Record Awards. Seu título e idioma refletem a importância persistente do rock norte-americano e britânico como referências para músicos japoneses em 1986.
29. 1986 OMEGA TRIBE — Navigator
O projeto Omega Tribe foi reconstruído em torno de um novo vocalista, カルロス・トシキ (Carlos Toshiki), e anunciou essa mudança em seu novo nome. “君は1000% (Kimi wa 1000%)” deu ao 1986 OMEGA TRIBE um sucesso imediato, enquanto Navigator estabeleceu a formação revisada ao longo de um álbum completo. Sua associação atual com city pop veio depois de um relançamento bem-sucedido no mainstream japonês.
30. テレサ・テン (Teresa Teng) — 時の流れに身をまかせ (Toki no Nagare ni Mi wo Makase)
Teresa Teng era uma artista taiwanesa com uma grande carreira em toda a Ásia Oriental. Este álbum original para o mercado japonês pertence à história da música japonesa porque foi central em seu trabalho no Japão. A faixa-título tornou-se uma de suas músicas de assinatura e recebeu o prêmio de composição no Japan Record Awards. Sua presença também reconhece o quanto a música popular japonesa foi moldada por artistas e públicos que atravessam fronteiras nacionais.
31. 中森明菜 (Akina Nakamori) — 不思議 (Fushigi)
Fushigi foi o primeiro álbum inteiramente autoproduzido por Akina Nakamori. Sua mixagem coloca deliberadamente a voz dentro da música em vez de mantê-la claramente à frente, uma decisão incomum para uma das principais cantoras idol do Japão. O álbum chegou ao primeiro lugar, levando um disco conceitual exigente a um público amplo e estabelecendo a autoridade de Nakamori sobre suas próprias gravações.
32. 久石譲 (Joe Hisaishi) — 天空の城ラピュタ サウンドトラック 飛行石の謎 (Tenkū no Shiro Rapyuta Soundtrack: Hikōseki no Nazo)
A trilha sonora de Joe Hisaishi acompanhou o primeiro longa-metragem do Studio Ghibli e continuou sua colaboração com 宮崎駿 (Hayao Miyazaki). O álbum foi lançado em LP e cassete em agosto, seguido pelo CD em setembro, e inclui “君をのせて (Kimi wo Nosete)”. Sua longa vida fora do filme mostra como álbuns de trilha sonora se tornaram parte da escuta popular e da memória musical compartilhada.
33. 浜田省吾 (Shogo Hamada) — J.BOY
J.BOY foi um álbum duplo que passou várias semanas em primeiro lugar e recebeu reconhecimento no Japan Record Awards. Shogo Hamada usou sua duração para conectar escrita pessoal com trabalho, desigualdade e a atmosfera social ao seu redor. O álbum tornou-se um dos sinais mais claros de que o rock japonês podia dominar o mainstream enquanto falava a um público adulto.
34. 浜田麻里 (Mari Hamada) — PROMISE IN THE HISTORY
Mari Hamada escreveu todas as letras de seu sexto álbum e trabalhou com músicos da cena japonesa de hard rock. O disco chegou ao top 10 da parada de LPs. Seu papel como autora e artista principal é central para sua inclusão: PROMISE IN THE HISTORY coloca a autoria e a voz de uma mulher no desenvolvimento do metal japonês, cujas narrativas históricas muitas vezes se concentraram em bandas masculinas.
35. 吉田美奈子 (Minako Yoshida) — BELLS
Minako Yoshida produziu BELLS por conta própria e vendeu o CD original em uma tiragem de 3.000 cópias. Alguns textos promocionais o chamaram de primeiro CD independente do mundo, uma afirmação difícil de estabelecer de forma conclusiva. Os fatos verificados já o tornam significativo: uma compositora japonesa estabelecida usou o novo formato para distribuir um álbum fora do processo habitual das grandes gravadoras.
36. CASIOPEA — SUN SUN
O guitarrista 野呂一生 (Issei Noro) produziu SUN SUN, com Carlos Alomar participando como músico e compositor. CASIOPEA já havia desenvolvido uma forma reconhecível de fusion japonesa, portanto a colaboração internacional não exigiu que o grupo reconstruísse sua identidade. O álbum reflete uma cena madura trabalhando diretamente com músicos das grandes redes de estúdio norte-americanas e britânicas.
37. いとうせいこう (Seiko Ito) & TINNIE PUNX — 建設的 (Kensetsuteki)
Kensetsuteki é melhor descrito como um dos álbuns fundadores do rap japonês. Chamá-lo de primeiro depende de definições que acabam obscurecendo o próprio trabalho. Seiko Ito, 高木完 (Kan Takagi), 藤原ヒロシ (Hiroshi Fujiwara) e ヤン富田 (YAN TOMITA) estavam adaptando o rap ao idioma japonês, ao equipamento disponível e a uma cena ainda muito pequena. O álbum registra essas primeiras soluções.
Outubro a dezembro
38. すぎやまこういち (Koichi Sugiyama) / 東京弦楽合奏団 (Tokyo String Ensemble) — 組曲「ドラゴンクエスト」 (Suite Dragon Quest)
Koichi Sugiyama regeu um conjunto formado por membros selecionados da NHK Symphony Orchestra no primeiro álbum orquestral baseado no Dragon Quest original. O título original é Suite Dragon Quest; gravações posteriores usaram Symphonic Suite. Esse lançamento ajudou a estabelecer a música de videogame como repertório que podia ser arranjado, executado e vendido independentemente do jogo.
39. REBECCA — TIME
O quinto álbum do REBECCA chegou ao primeiro lugar e tornou-se um long seller. O papel de NOKKO à frente de uma das maiores bandas de rock do Japão era importante em um mercado onde mulheres ainda eram frequentemente tratadas como cantoras solo de pop ou idols. TIME mostrou que um grupo liderado por uma mulher podia funcionar como força comercial central do rock japonês.
40. THE ALFEE — AGES
Rolling Stone Japan descreve AGES como o primeiro álbum conceitual completo do THE ALFEE. Foi lançado no mesmo ano em que a banda tocou para 100.000 pessoas no Tokyo Bay Area. Os dois acontecimentos documentam lados diferentes da posição do THE ALFEE em 1986: um projeto de álbum mais estruturado e a capacidade de levar o rock a uma escala enorme.
41. BOØWY — BEAT EMOTION
BOØWY lançou BEAT EMOTION oito meses depois de JUST A HERO. O álbum anterior estabeleceu a identidade artística do grupo; o novo transformou seu rápido crescimento em sucesso comercial de massa. Ambos estão incluídos porque documentam etapas diferentes alcançadas no mesmo ano. Em novembro, BOØWY estava estabelecendo o modelo seguido por muitas bandas japonesas de rock que vieram depois.
42. 中島みゆき (Miyuki Nakajima) — 36.5℃
Miyuki Nakajima coproduziu seu décimo quarto álbum com 甲斐よしひろ (Yoshihiro Kai). Vários grandes arranjadores contribuíram, e o disco foi mixado no Power Station, em Nova York. 36.5℃ mostra uma compositora já estabelecida incorporando o som de estúdio de meados dos anos 1980 enquanto mantém sua escrita e interpretação no centro do álbum.
43. THE STREET SLIDERS — 天使たち (Tenshi-tachi)
佐久間正英 (Masahide Sakuma) produziu o quinto álbum do THE STREET SLIDERS, mixado por Michael Zimmerling. O rock baseado no blues do grupo permaneceu distinto do estilo mais limpo e veloz associado ao BOØWY, apesar de ambos compartilharem o mesmo mercado em expansão. Tenshi-tachi chegou pouco antes do primeiro show do THE STREET SLIDERS no Nippon Budokan, no início de 1987.
44. ムーンライダーズ (Moonriders) — DON’T TRUST OVER THIRTY
Moonriders lançou seu décimo primeiro álbum antes de iniciar um hiato de cinco anos. Seu título aborda o envelhecimento com humor e inquietação a partir de um grupo que ajudara a moldar a New Music japonesa desde os anos 1970. O álbum encerra a primeira parte de sua carreira e conecta aquela geração anterior às cenas mais jovens de new wave e rock ao seu redor.
45. 松任谷由実 (Yumi Matsutoya) — ALARM à la mode
O décimo oitavo álbum original de Yumi Matsutoya chegou ao primeiro lugar. Suas edições em LP, cassete e CD foram lançadas no mesmo dia, detalhe revelador em um ano de formatos em transformação. Uma artista cujos álbuns anuais haviam se tornado presenças fixas no mercado japonês agora alcançava ouvintes em três formatos ao mesmo tempo, sem que nenhum deles fosse tratado como secundário.
46. あぶらだこ (Aburadako) — あぶらだこ (Aburadako), o “Blue Album”
Este foi o segundo álbum autointitulado do Aburadako, normalmente identificado por sua capa azul. O debut de 1985 é o “Wood Album”, e os dois são frequentemente confundidos. O disco de 1986 leva o hardcore punk a ritmos irregulares, linguagem densa e estruturas que resistem à forma convencional de canção. Sua reputação crítica posterior dá ao underground japonês um lugar necessário neste retrato do ano.
47. 佐野元春 with THE HEARTLAND (Motoharu Sano with THE HEARTLAND) — Café Bohemia
THE HEARTLAND forneceu todo o acompanhamento deste álbum e apareceu ao lado de Motoharu Sano no crédito de artista pela primeira vez. Café Bohemia expandiu sua escrita através de rock, pop e várias influências da música negra, apoiado por uma banda que havia desenvolvido uma identidade coletiva clara. O crédito reflete com precisão o quanto aquele grupo havia se tornado importante para o trabalho.
48. 安全地帯 (Anzen Chitai) — 安全地帯V (Anzen Chitai V)
Anzen Chitai V contém 36 faixas e foi lançado como LP triplo e CD duplo. O tamanho do projeto reflete tanto a posição comercial do grupo quanto o tempo adicional de reprodução disponível no CD. É o exemplo mais literal desta seleção de um álbum que se expande durante a transição entre formatos.
49. 中森明菜 (Akina Nakamori) — CRIMSON
O segundo álbum número um de Nakamori em 1986 foi construído em torno de cinco composições de 竹内まりや (Mariya Takeuchi) e cinco de 小林明子 (Akiko Kobayashi). A divisão igual dá a CRIMSON um desenho interno claro enquanto coloca a interpretação de Nakamori no centro. Sua associação posterior ao city pop trouxe outro público sem alterar sua força original como um álbum idol cuidadosamente dirigido.
50. 喜多郎 (Kitaro) — 天空 (Tenku)
Tenku iniciou o acordo mundial de Kitaro com a Geffen e marcou o começo de sua carreira de álbuns nos Estados Unidos. Seu caminho para o exterior diferia das estratégias de hard rock e metal seguidas por LOUDNESS e VOW WOW: Kitaro entrou em um mercado internacional de música de sintetizador e new age. O álbum completa o quadro de músicos japoneses testando várias formas de distribuição internacional no mesmo ano.