Cette interview a été publiée pour la première fois le 26 mai 2024. Elle a été remaniée pour plus de clarté et reconstruite selon le format éditorial adopté par J-POP streaming en 2026. Les références à des projets futurs restent replacées dans leur contexte de 2024.
Flehmann construit ses morceaux à partir du son : un accord qui change à chaque temps, un chant d’oiseau enregistré dans un parc, un motif rythmique qu’il sait avoir tendance à répéter. Les mots et les images peuvent attendre. Il lui faut d’abord quelque chose à entendre.
Cette approche l’a mené de la musique électronique instrumentale aux collaborations avec des chanteurs, VTubers et VSingers. Elle a aussi façonné « Save my love », sorti le 1er mai 2024 : un morceau disco house dans lequel la voix synthétisée de Sheena passe de l’anglais au japonais. J-POP streaming avait déjà sélectionné le titre pour sa playlist 2024 au moment de cette interview.
Flehmann ne se présente pas comme un musicien professionnel. Il exerce un autre métier, a passé plusieurs années loin de la composition et y est revenu pendant la pandémie de COVID-19, parce que la musique était quelque chose qu’il pouvait créer chez lui. Cette distinction compte pour lui. Le travail aussi.
Un synthétiseur d’occasion et l’idée d’être entendu
Ton histoire commence avec un synthétiseur d’occasion. Qu’en as-tu fait ?
J’ai eu mon premier synthétiseur d’occasion au collège. Au début, je jouais avec les sons et j’achetais des partitions de chansons J-POP populaires pour les jouer au piano. Puis j’ai commencé à utiliser le séquenceur intégré du synthétiseur pour composer des morceaux originaux. Ils étaient affreux — à peine des chansons — mais c’est à ce moment-là que j’ai commencé à rêver de partager un jour ma propre musique avec le monde.
Quels disques ont transformé cette curiosité en langage musical ?
À l’adolescence, j’ai été fortement influencé par la musique électronique : techno, house et electronica. J’écoutais Derrick May et Ken Ishii, des artistes drum and bass comme 4hero et Goldie, ainsi que Matthew Herbert et Mouse on Mars.
J’aimais particulièrement la French touch et la filter house. Daft Punk et Cassius savaient rendre la musique électronique pop et immédiate. J’écoutais aussi les grands artistes J-POP de l’époque. Les deux univers sont toujours présents dans ma musique, en particulier dans les mélodies, les structures et les rythmes.
As-tu déjà décidé que la musique devait devenir ton métier ?
Non. J’ai un autre emploi comme activité principale, donc je ne suis pas un artiste professionnel. J’aime simplement énormément faire de la musique.
Depuis mes études, j’avais composé et publié des morceaux sur des labels indépendants au Japon, mais j’ai arrêté pendant longtemps quand j’ai commencé à travailler. J’ai repris sous le nom de Flehmann en juillet 2020. La pandémie limitait nos déplacements et composer était quelque chose que je pouvais faire chez moi. C’est ce qui m’y a ramené.
Commencer par le son lui-même
Quand tu ouvres un nouveau projet, qu’est-ce qui vient généralement en premier ?
Une idée sonore centrale. Je peux me demander ce qui se passerait si l’accompagnement harmonique changeait à chaque temps. Je peux construire un morceau autour d’un bel enregistrement de chants d’oiseaux capté dans un parc. Je commence rarement par un concept exprimé avec des mots ou des images. Un son, un timbre ou un motif rythmique particulier vient généralement en premier, puis je construis le morceau à partir de là.
La musique électronique évolue vite. Comment éviter de courir après chaque nouveau genre tout en gardant une production actuelle ?
Au Japon comme ailleurs, la musique mélange aujourd’hui énormément de genres. Ils se divisent en catégories plus petites, se recombinent et en produisent encore d’autres. Suivre toutes les tendances est difficile.
Je préfère me concentrer sur la qualité sonore pour qu’elle ne paraisse pas datée. Je fais attention aux basses fréquences, à l’usage de la réverbération et du delay, ainsi qu’à l’équilibre du mix vocal. Une fois ces bases solides, je peux travailler dans les genres que j’aime et utiliser les structures qui me viennent naturellement.
Qu’est-ce qui rend un morceau reconnaissable comme étant le tien quand le genre change ?
Je ne porte pas un message unique d’un morceau à l’autre. Ce que je veux, c’est que quelqu’un entende un titre et pense : « Ça sonne comme Flehmann. » J’essaie de conserver certaines phrases mélodiques et certains motifs rythmiques même lorsque je change de genre.
C’est un peu gênant d’étudier ses propres manies, mais c’est aussi intéressant. Elles ressemblent à des habitudes de langage ou à ces gribouillis étranges qu’on dessine sur un bloc-notes sans s’en rendre compte. J’ai les mêmes réflexes en musique : des mélodies que mes doigts trouvent naturellement et certaines façons d’organiser les rythmes. J’essaie de les comprendre et d’en laisser quelques-unes dans chaque morceau.
« Save my love » : deux langues, une voix
« Save my love » mélange anglais et japonais autour de la voix synthétisée de Sheena. Qu’est-ce que cela t’a permis de faire ?
Je suis honoré que J-POP streaming ait sélectionné « Save my love » pour sa playlist 2024. Merci.
Le morceau comporte du chant, mais je n’ai pas collaboré avec une chanteuse humaine. J’ai utilisé Synthesizer V pour créer la voix de Sheena. La technologie gère très bien l’anglais comme le japonais, et je voulais que le passage d’une langue à l’autre soit fluide.
La production est lumineuse, mais l’histoire ne l’est pas. Qu’espérais-tu que les auditeurs y trouvent ?
Les paroles racontent une histoire de séparation légèrement mélancolique, plutôt qu’une histoire d’amour heureuse. J’espère que les auditeurs apprécieront la sensation sans frontières créée par les paroles en anglais et en japonais, ainsi que la sensibilité pop de la French touch et de la disco house que j’aime.
La pochette a été créée par l’illustrateur Naoyoshi. Son émotion correspond à l’histoire racontée par les paroles, et j’aimerais donc que les gens découvrent ensemble la musique et l’illustration.
Apprendre à écrire pour d’autres voix
Tu publies aujourd’hui beaucoup de morceaux chantés, alors que Flehmann a commencé avec des instrumentaux. Qu’est-ce qui a changé ?
Travailler avec des chanteurs a été l’un des aspects les plus difficiles et les plus agréables de ce projet. Avant de publier de la musique sous le nom de Flehmann, je n’avais jamais créé de musique vocale. Collaborer avec un chanteur était une ambition vague — quelque chose que j’espérais essayer un jour.
J’ai d’abord publié des instrumentaux. À mesure que davantage de personnes les découvraient, les réseaux sociaux ont ouvert des possibilités de collaboration avec des chanteurs. Plus récemment, j’ai aussi travaillé avec des VTubers et des VSingers. Chaque collaboration a été stimulante, parce que la voix d’une autre personne change ce que la musique peut devenir.
L’aspect visuel a évolué de la même façon. J’ai commencé à travailler avec des illustrateurs pour les pochettes et les clips, au lieu de considérer l’image comme quelque chose qu’on ajoute à la fin.
Certains morceaux ont également été intégrés à des playlists officielles de Spotify, Apple Music et YouTube Music. Voir ma musique circuler dans ces sélections m’a encouragé à continuer à produire, mais j’ai toujours le sentiment d’avoir énormément à apprendre. Je ne ressens pas beaucoup de pression et je ne me considère pas comme un artiste à succès. Je veux continuer à sortir régulièrement de la musique parce que j’aime en faire.
La suite
La collaboration que Flehmann préparait au moment de cette interview est sortie sous le titre « Natsu-iro Outsider » le 10 juillet 2024, avec la chanteuse Megumi Ebina.
Lorsque nous avons parlé en mai 2024, qu’est-ce qui prenait déjà forme ?
Je préparais pour juillet une collaboration avec la chanteuse Megumi Ebina. Elle apportait des éléments garage à ma musique, un terrain que j’avais encore peu exploré. Sa voix claire sur un rythme rapide donnait au morceau une énergie que j’avais hâte de faire entendre.
Je comptais continuer à travailler avec des chanteurs, des VTubers et des VSingers. Les occasions peuvent être difficiles à trouver, mais j’aimerais aussi collaborer avec des chanteurs et artistes hors du Japon. Ma musique, y compris les collaborations, est disponible pour une utilisation commerciale libre de droits, et j’ai l’intention de poursuivre cette initiative.
La majeure partie de la production reste assurée par moi-même, et les instruments logiciels sont devenus suffisamment convaincants pour ouvrir des portes qui semblaient autrefois fermées. Un jour, j’aimerais essayer le rock ou une pop jouée comme par un groupe.
Si tu pouvais passer une soirée à discuter avec un musicien, qui choisirais-tu ?
Matthew Herbert. J’ai écouté Bodily Functions un nombre incalculable de fois. L’album porte des idées sociales et plus sombres sans devenir moralisateur. Il est accrocheur, beau, singulier et ludique. J’aimerais lui demander d’où viennent ses idées musicales.
Et quand tes propres idées ne viennent plus ?
Je joue aux jeux vidéo. Faire une pause me rafraîchit généralement l’esprit, et une idée arrive souvent ensuite.
Ou peut-être que je cherche simplement une excuse pour jouer.