Según la Recording Industry Association of Japan, en Japón se fabricaron 45,12 millones de CD de 12 centímetros y 42,751 millones de LP en 1986. Por primera vez, la producción de CD había superado a la de LP. El vinilo seguía siendo importante, las cintas de casete aún eran habituales y los singles de 7 pulgadas continuaban impulsando buena parte del negocio del pop, pero el equilibrio estaba cambiando.
Varios álbumes hicieron visible esa transformación. 渡辺美里 (Misato Watanabe) publicó un álbum doble con 19 años. 安全地帯 (Anzen Chitai) llenó tres LP o dos CD con 36 canciones. 吉田美奈子 (Minako Yoshida) financió por su cuenta un CD y vendió 3.000 copias. Las nuevas herramientas de grabación también cambiaron la forma de trabajar en los estudios, en ocasiones después de una resistencia considerable por parte de los músicos que debían utilizarlas.
Pero el año no puede reducirse a una cuestión de formatos. 松田聖子 (Seiko Matsuda) ganó el Album Grand Prix. BOØWY publicó dos álbumes importantes con ocho meses de diferencia. El metal japonés siguió abriéndose camino en el extranjero, los primeros pasos del rap japonés llegaron al formato álbum, la música orquestal de Dragon Quest salió de la consola y 吉村弘 (Hiroshi Yoshimura) publicó un disco ambient cuya reputación internacional crecería décadas más tarde.
Los 50 álbumes siguientes fueron seleccionados por cuatro razones: su impacto en 1986, el cambio artístico o industrial que representaron, su influencia o su importancia para una escena poco reflejada en las listas anuales de ventas. Es una selección editorial presentada en orden cronológico, no un ranking.
Enero a marzo
1. VOW WOW — III
Producido por Tony Platt, el tercer álbum de VOW WOW formó parte de un intento serio de construir una carrera fuera de Japón. La banda se trasladó al Reino Unido más adelante en 1986 y trabajó desde allí durante varios años. III recoge el momento en que el heavy metal japonés empezó a abordar la expansión internacional como un proyecto práctico, con decisiones de producción, management y giras detrás.
2. 矢野顕子 (Akiko Yano) — 峠のわが家 (Tōge no Wagaya)
Fue el primer álbum original de Akiko Yano para MIDI y estuvo coproducido con 坂本龍一 (Ryuichi Sakamoto). Una retrospectiva de Sony lo describe como un regreso hacia el jazz después de su etapa techno-pop. Esa dirección hace especialmente útil Tōge no Wagaya para observar 1986: la producción electrónica se estaba extendiendo, pero Yano la integraba en un lenguaje musical más libre en lugar de seguir el modelo pop dominante.
3. ローザ・ルクセンブルグ (Rosa Luxemburg) — ぷりぷり (Puri Puri)
Rosa Luxemburg estuvo activo apenas un año y medio, pero su primer álbum se convirtió en una referencia duradera del rock japonés. El grupo de Kioto combinaba ritmos poco habituales, lenguaje vernáculo y elementos tomados de músicas japonesas más antiguas sin parecerse a las bandas que entonces avanzaban hacia los grandes recintos. Su influencia continuó a través de どんと (Donto) y BO GUMBOS tras la disolución del grupo.
4. PINK — 光の子 (Hikari no Ko)
El segundo álbum de PINK nació de un grupo de seis miembros que trabajaba entre la new wave, el funk y una producción de estudio muy detallada. Entrevistas publicadas en 1986 muestran hasta qué punto sus integrantes querían construir una identidad propia y escapar de las comparaciones constantes con bandas extranjeras. Hikari no Ko representa la ambiciosa cultura de estudio que se desarrollaba fuera de los éxitos pop y rock más visibles del año.
5. BOØWY — JUST A HERO
JUST A HERO estableció la identidad musical que llevaría a BOØWY de un crecimiento acelerado al éxito masivo. El grupo ofreció su primer concierto en el Nippon Budokan más adelante ese mismo año. Su presencia posterior en encuestas y listas críticas sobre rock japonés también separa la reputación del álbum de la magnitud del fenómeno BOØWY: es el disco que más a menudo se conserva como su declaración artística central.
6. THE SQUARE — S・P・O・R・T・S
La fusión japonesa contaba con una audiencia amplia en los años ochenta, y S・P・O・R・T・S contiene una de sus composiciones más perdurables. “TAKARAJIMA”, escrita por 和泉宏隆 (Hirotaka Izumi), apareció aquí en su primera versión de estudio y siguió siendo un estándar del repertorio de THE SQUARE. El álbum devuelve a la música instrumental el lugar que merece en un año demasiado a menudo resumido mediante idols y bandas de rock.
7. おニャン子クラブ (Onyanko Club) — 夢カタログ (Yume Catalogue)
Yume Catalogue llegó al número uno mientras Onyanko Club estaba transformando la relación entre televisión e idol pop. La presencia regular del grupo en 夕やけニャンニャン (Yūyake Nyan Nyan), sus cambios de miembros y sus numerosas publicaciones en solitario y subunidades crearon alrededor de la música un formato serial en expansión. Ese sistema fue uno de los grandes hechos de la cultura popular japonesa de 1986.
8. 岡田有希子 (Yukiko Okada) — ヴィーナス誕生 (Venus Tanjō)
El cuarto y último álbum de estudio de Yukiko Okada se construyó alrededor de un grupo de autores y compositores excepcionalmente sólido. EPO, Ryuichi Sakamoto, 大貫妙子 (Taeko Onuki) y かしぶち哲郎 (Tetsuro Kashibuchi) participaron en el proyecto. Venus Tanjō documenta la evolución de Okada como intérprete y merece ser tratado desde ese trabajo, sin permitir que la tragedia posterior a su lanzamiento lo absorba por completo.
9. 大貫妙子 (Taeko Onuki) — Comin’ Soon
Taeko Onuki concibió Comin’ Soon como música que los adultos pudieran escuchar con niños. Reunía canciones relacionadas con みんなのうた (Minna no Uta) de la NHK, un libro ilustrado y arreglos de Ryuichi Sakamoto, 清水信之 (Nobuyuki Shimizu) y 大村憲司 (Kenji Omura). El resultado conecta pop de autor, medios infantiles y música por encargo sin tratarlos como ámbitos separados.
10. LOUDNESS — SHADOWS OF WAR
LOUDNESS grabó SHADOWS OF WAR con el productor Max Norman después de firmar con Atlantic y entrar en el mercado estadounidense del álbum. La edición internacional relacionada, LIGHTNING STRIKES, utilizó otro título, otro orden de canciones y otra mezcla. Esos cambios muestran cómo funcionaba en la práctica la expansión internacional: la banda había dado el salto, pero su material japonés seguía siendo adaptado para otro mercado.
Abril a junio
11. 吉村弘 (Hiroshi Yoshimura) — GREEN
GREEN fue una de las obras de música ambiental de Hiroshi Yoshimura, compuesta para dar forma a un espacio tanto como para ocupar toda la atención del oyente. El álbum permaneció escaso durante años hasta que su reedición y reconocimiento internacional lo convirtieron en una puerta de entrada habitual al ambient japonés. Su importancia para 1986 es sobre todo retrospectiva, y precisamente por eso pertenece a esta selección: las ventas contemporáneas no miden todos los discos que terminan perdurando.
12. 聖飢魔II (SEIKIMA-II) — THE END OF THE CENTURY
El segundo “grand scripture” de SEIKIMA-II incluye “蝋人形の館 (Rōningyō no Yakata)”, una de las canciones más conocidas del grupo. La banda combinaba heavy metal con elaborados personajes demoníacos y entendía cómo trasladar esa presentación a la televisión generalista. El concepto atraía la atención, mientras que la calidad musical le dio suficiente sustancia para sobrevivir a la sorpresa inicial.
13. 坂本龍一 (Ryuichi Sakamoto) — 未来派野郎 (Futurista)
Ryuichi Sakamoto recurrió al futurismo italiano mientras trabajaba ampliamente con el Fairlight CMI. El sampling dio forma tanto a la construcción como al tema del álbum. Las retrospectivas oficiales sitúan Futurista en la etapa en que su identidad en solitario se volvió plenamente independiente de YMO, después del más transitorio 音楽図鑑 (Ongaku Zukan).
14. 山下達郎 (Tatsuro Yamashita) — POCKET MUSIC
El relato de Warner sobre POCKET MUSIC describe a Tatsuro Yamashita lidiando con la grabación digital y la música por ordenador durante su producción. El álbum documenta así la transición técnica desde la perspectiva de un músico cuyos estándares ya se habían formado mediante el trabajo analógico en estudio. Se convirtió en uno de los grandes álbumes comerciales del año y recibió reconocimiento en los Japan Record Awards.
15. 芸能山城組 (Geinoh Yamashirogumi) — 輪廻交響楽 (Ecophony Rinne)
Las cuatro partes de Ecophony Rinne combinan voces colectivas, gamelán, ideas ecológicas y tecnología de audio. Su papel posterior en la historia del cine japonés está bien documentado: el álbum convenció a 大友克洋 (Katsuhiro Otomo) para pedir a Geinoh Yamashirogumi que creara la música de AKIRA. La conexión importa porque los métodos y la escala asociados a aquella banda sonora posterior ya estaban aquí.
16. 松田聖子 (Seiko Matsuda) — SUPREME
Los Japan Record Awards nombraron a SUPREME ganador del Album Grand Prix de 1986. También llegó al número uno e incluye “瑠璃色の地球 (Ruriiro no Chikyū)”, que se convirtió en una de las canciones más perdurables de Seiko Matsuda. Su éxito confirma que la producción idol y un proyecto de álbum coherente eran perfectamente compatibles en el centro del negocio musical japonés.
17. TM NETWORK — GORILLA
TM NETWORK utilizó su tercer álbum para establecer el término “FANKS”, que se refería tanto a su público como a la mezcla de funk y punk del grupo. GORILLA desarrolló el equilibrio entre sonido programado e interpretación de banda que pronto sostendría Self Control y “Get Wild”. Captura el modelo de trabajo inmediatamente anterior a su gran avance comercial.
18. 薬師丸ひろ子 (Hiroko Yakushimaru) — 花図鑑 (Hana Zukan)
Las flores proporcionan la idea organizadora de Hana Zukan, cuyas canciones procedían de una amplia variedad de autores. La identidad del álbum nace de la elección del material, su secuencia y la interpretación de Hiroko Yakushimaru. Es un buen ejemplo de cómo una intérprete podía dar forma a un álbum como obra completa sin ser su única autora o compositora.
19. 角松敏生 (Toshiki Kadomatsu) — TOUCH AND GO
TOUCH AND GO se grabó a través de redes de estudios japoneses y neoyorquinos y recibió un premio de álbum en los Japan Record Awards. Toshiki Kadomatsu ya trabajaba como cantante, compositor, arreglista y productor, funciones que adquirirían cada vez más importancia en su carrera. El álbum refleja cuánto trabajo de planificación y especialización había detrás del pop y funk pulidos con los que se le asocia.
20. 少年ナイフ (Shonen Knife) — PRETTY LITTLE BAKA GUY
Shonen Knife publicó su tercer álbum a través de Zero Records en Japón antes de que apareciera en Estados Unidos en octubre de 1986. El grupo también fue incluido en la recopilación Sub Pop 100 aquel noviembre. Estas publicaciones documentan una temprana vía internacional independiente para una banda japonesa, varios años antes de que el rock alternativo se convirtiera en un gran mercado global.
21. SION — SION
El primer álbum de SION para una major llegó al mismo tiempo que el single “俺の声 (Ore no Koe)”. También incluye canciones tempranas como “コンクリート・リバー (Concrete River)” y “SORRY BABY”, que siguieron siendo centrales en su catálogo. El debut estableció a un compositor cuya voz áspera y escritura directa ofrecían otra forma de rock japonés junto a las bandas que crecían rápidamente aquel año.
22. 菊池桃子 (Momoko Kikuchi) — ADVENTURE
El tercer álbum de Momoko Kikuchi ha sido reeditado desde entonces internacionalmente y presentado como un clásico del city pop. Esa categoría posterior no debe ocultar su lugar original dentro del idol pop. Su escritura sofisticada, sus arreglos y su producción de estudio llegaron a un público amplio precisamente a través del mercado idol.
23. P-MODEL — ONE PATTERN
ONE PATTERN fue el séptimo álbum de P-MODEL y el último antes de una larga pausa del grupo. En 1986, el pop electrónico ya era habitual en Japón, pero la escritura y producción de Susumu Hirasawa seguían siendo difíciles de absorber dentro de la versión mainstream de ese sonido. El álbum mantiene presente la primera escena new wave japonesa en la historia de aquel año.
24. DEAD END — DEAD LINE
DEAD END publicó su primer álbum de manera independiente antes de pasar a una major. DEAD LINE ayudó a desarrollar el lado más oscuro y teatral del hard rock y el metal japoneses que influiría a músicos posteriores, incluidos muchos asociados al visual kei. Su impacto inicial en el mercado independiente es tan importante como las etiquetas que se le aplicaron después.
Julio a septiembre
25. 中山美穂 (Miho Nakayama) — SUMMER BREEZE
El tercer álbum de Miho Nakayama inició una colaboración importante con Toshiki Kadomatsu e incluyó la versión original de “You’re My Only Shinin’ Star” antes de que la canción se convirtiera posteriormente en un éxito. SUMMER BREEZE marca una etapa temprana en la evolución de Nakayama desde nueva idol hacia cantante con una identidad musical más claramente definida.
26. 渡辺美里 (Misato Watanabe) — Lovin’ you
Misato Watanabe tenía 19 años cuando publicó este álbum doble. Lovin’ you llegó al número uno, ocupó el séptimo puesto de la lista anual de álbumes según su web oficial y recibió reconocimiento en los Japan Record Awards. Su extensión forma parte de su importancia: una cantante tan joven disponía de dos discos para establecer repertorio e identidad.
27. PSY・S — PIC-NIC
PSY・S reunía al diseñador de sonido 松浦雅也 (Masaya Matsuura) y a la cantante CHAKA. Su segundo álbum utilizó producción electrónica dentro de canciones pop directas, dejando espacio al fraseo distintivo de CHAKA. El papel posterior de Matsuura en el desarrollo de los juegos de ritmo añade otra conexión histórica, pero PIC-NIC ya se sostiene como un gran álbum de pop electrónico japonés de su época.
28. KUWATA BAND — NIPPON NO ROCK BAND
桑田佳祐 (Keisuke Kuwata) formó KUWATA BAND mientras Southern All Stars estaba en pausa. El único álbum de estudio del grupo fue interpretado íntegramente en inglés, se convirtió en uno de los grandes éxitos de ventas del año y recibió reconocimiento en los Japan Record Awards. Su título y su idioma reflejan la importancia continuada del rock estadounidense y británico como referentes para los músicos japoneses de 1986.
29. 1986 OMEGA TRIBE — Navigator
El proyecto Omega Tribe se reconstruyó alrededor de un nuevo cantante, カルロス・トシキ (Carlos Toshiki), y anunció el cambio incluso en su nuevo nombre. “君は1000% (Kimi wa 1000%)” proporcionó a 1986 OMEGA TRIBE un éxito inmediato, mientras Navigator consolidó la nueva formación a escala de álbum completo. Su actual asociación con el city pop llegó después de una relanzamiento exitoso dentro del mainstream japonés.
30. テレサ・テン (Teresa Teng) — 時の流れに身をまかせ (Toki no Nagare ni Mi wo Makase)
Teresa Teng era una artista taiwanesa con una carrera importante en toda Asia Oriental. Este álbum original para el mercado japonés pertenece a la historia de la música japonesa porque fue central en su trabajo en Japón. La canción titular se convirtió en una de sus piezas emblemáticas y recibió el premio de composición en los Japan Record Awards. Su presencia también reconoce cuánto ha sido moldeada la música popular japonesa por artistas y públicos que cruzan fronteras nacionales.
31. 中森明菜 (Akina Nakamori) — 不思議 (Fushigi)
Fushigi fue el primer álbum producido íntegramente por la propia Akina Nakamori. Su mezcla sitúa deliberadamente la voz dentro de la música en vez de mantenerla claramente al frente, una decisión inusual para una de las principales cantantes idol de Japón. El álbum llegó al número uno, dando una gran audiencia a un disco conceptual exigente y consolidando la autoridad de Nakamori sobre sus propias grabaciones.
32. 久石譲 (Joe Hisaishi) — 天空の城ラピュタ サウンドトラック 飛行石の謎 (Tenkū no Shiro Rapyuta Soundtrack: Hikōseki no Nazo)
La banda sonora de Joe Hisaishi acompañó al primer largometraje de Studio Ghibli y continuó su colaboración con 宮崎駿 (Hayao Miyazaki). El álbum apareció en LP y casete en agosto, seguido por el CD en septiembre, e incluye “君をのせて (Kimi wo Nosete)”. Su larga vida fuera de la película demuestra cómo los álbumes de bandas sonoras pasaron a formar parte de la escucha popular y de la memoria musical compartida.
33. 浜田省吾 (Shogo Hamada) — J.BOY
J.BOY fue un álbum doble que pasó varias semanas en el número uno y recibió reconocimiento en los Japan Record Awards. Shogo Hamada utilizó su duración para conectar escritura personal con trabajo, desigualdad y el clima social que lo rodeaba. El álbum se convirtió en una de las señales más claras de que el rock japonés podía dominar el mainstream mientras se dirigía a un público adulto.
34. 浜田麻里 (Mari Hamada) — PROMISE IN THE HISTORY
Mari Hamada escribió todas las letras de su sexto álbum y trabajó con músicos de la escena japonesa del hard rock. El disco llegó al top 10 de la lista de LP. Su papel como autora y artista principal es central para su inclusión: PROMISE IN THE HISTORY sitúa la autoría y la voz de una mujer dentro del desarrollo del metal japonés, donde los relatos históricos se han centrado a menudo en bandas masculinas.
35. 吉田美奈子 (Minako Yoshida) — BELLS
Minako Yoshida produjo BELLS por su cuenta y vendió el CD original en una tirada de 3.000 copias. Algunos textos promocionales lo han llamado el primer CD independiente del mundo, una afirmación difícil de establecer de forma concluyente. Los hechos comprobados ya bastan para hacerlo significativo: una compositora japonesa consolidada utilizó el nuevo formato para distribuir un álbum fuera del proceso habitual de las grandes discográficas.
36. CASIOPEA — SUN SUN
El guitarrista 野呂一生 (Issei Noro) produjo SUN SUN, con Carlos Alomar como músico y compositor. CASIOPEA ya había desarrollado una forma reconocible de fusión japonesa, por lo que la colaboración internacional no obligó al grupo a reconstruir su identidad. El álbum refleja una escena madura trabajando directamente con músicos de grandes redes de estudio estadounidenses y británicas.
37. いとうせいこう (Seiko Ito) & TINNIE PUNX — 建設的 (Kensetsuteki)
Kensetsuteki se describe mejor como uno de los álbumes fundacionales del rap japonés. Llamarlo el primero depende de definiciones que terminan ocultando el trabajo en sí. Seiko Ito, 高木完 (Kan Takagi), 藤原ヒロシ (Hiroshi Fujiwara) y ヤン富田 (YAN TOMITA) estaban adaptando el rap al idioma japonés, al equipo disponible y a una escena todavía muy pequeña. El álbum registra aquellas primeras soluciones.
Octubre a diciembre
38. すぎやまこういち (Koichi Sugiyama) / 東京弦楽合奏団 (Tokyo String Ensemble) — 組曲「ドラゴンクエスト」 (Suite Dragon Quest)
Koichi Sugiyama dirigió un conjunto formado por miembros seleccionados de la NHK Symphony Orchestra para el primer álbum orquestal basado en el Dragon Quest original. El título original es Suite Dragon Quest; grabaciones posteriores utilizaron Symphonic Suite. Esta publicación ayudó a establecer la música de videojuegos como repertorio que podía arreglarse, interpretarse y venderse independientemente del juego.
39. REBECCA — TIME
El quinto álbum de REBECCA llegó al número uno y se convirtió en un éxito de larga duración. El papel de NOKKO al frente de una de las mayores bandas de rock de Japón era importante en un mercado donde las mujeres aún eran tratadas con frecuencia como cantantes solistas de pop o idol. TIME mostró que un grupo liderado por una mujer podía operar como una fuerza comercial central del rock japonés.
40. THE ALFEE — AGES
Rolling Stone Japan describe AGES como el primer álbum conceptual completo de THE ALFEE. Se publicó el mismo año en que la banda tocó ante 100.000 personas en Tokyo Bay Area. Los dos acontecimientos documentan caras distintas de la posición de THE ALFEE en 1986: un proyecto de álbum más estructurado y la capacidad de llevar el rock a una escala enorme.
41. BOØWY — BEAT EMOTION
BOØWY publicó BEAT EMOTION ocho meses después de JUST A HERO. El álbum anterior estableció la identidad artística del grupo; el nuevo convirtió su rápido crecimiento en un éxito comercial masivo. Ambos están incluidos porque documentan etapas diferentes alcanzadas dentro del mismo año. En noviembre, BOØWY estaba fijando el modelo que seguirían muchas bandas japonesas de rock posteriores.
42. 中島みゆき (Miyuki Nakajima) — 36.5℃
Miyuki Nakajima coprodujo su decimocuarto álbum con 甲斐よしひろ (Yoshihiro Kai). Participaron varios arreglistas importantes y el disco fue mezclado en Power Station, Nueva York. 36.5℃ muestra a una compositora consolidada incorporando el sonido de estudio de mediados de los años ochenta mientras mantiene su escritura y su interpretación en el centro del álbum.
43. THE STREET SLIDERS — 天使たち (Tenshi-tachi)
佐久間正英 (Masahide Sakuma) produjo el quinto álbum de THE STREET SLIDERS, mezclado por Michael Zimmerling. El rock basado en el blues del grupo seguía siendo distinto del estilo más limpio y rápido asociado a BOØWY, pese a compartir el mismo mercado en expansión. Tenshi-tachi llegó poco antes del primer concierto de THE STREET SLIDERS en el Nippon Budokan, a comienzos de 1987.
44. ムーンライダーズ (Moonriders) — DON’T TRUST OVER THIRTY
Moonriders publicó su undécimo álbum antes de iniciar una pausa de cinco años. Su título aborda el envejecimiento con humor e inquietud desde un grupo que había ayudado a dar forma a la New Music japonesa desde los años setenta. El álbum cierra la primera parte de su carrera y conecta aquella generación anterior con las escenas más jóvenes de new wave y rock que la rodeaban.
45. 松任谷由実 (Yumi Matsutoya) — ALARM à la mode
El decimoctavo álbum original de Yumi Matsutoya llegó al número uno. Sus ediciones en LP, casete y CD se publicaron todas el mismo día, un detalle útil en un año de formatos cambiantes. Una artista cuyos álbumes anuales se habían convertido en citas fijas del mercado japonés se dirigía ahora a los oyentes a través de tres formatos a la vez, sin que ninguno fuese todavía secundario.
46. あぶらだこ (Aburadako) — あぶらだこ (Aburadako), el “Blue Album”
Fue el segundo álbum homónimo de Aburadako, identificado habitualmente por su portada azul. El debut de 1985 es el “Wood Album”, y ambos suelen confundirse. El disco de 1986 lleva el hardcore punk hacia ritmos irregulares, un lenguaje denso y estructuras que resisten la forma convencional de la canción. Su reputación crítica posterior da al underground japonés un lugar necesario en este relato del año.
47. 佐野元春 with THE HEARTLAND (Motoharu Sano with THE HEARTLAND) — Café Bohemia
THE HEARTLAND aportó todo el acompañamiento de este álbum y apareció junto a Motoharu Sano en el crédito artístico por primera vez. Café Bohemia amplió su escritura mediante rock, pop y varias influencias de músicas negras, respaldado por una banda que había desarrollado una clara identidad colectiva. El crédito refleja con precisión hasta qué punto ese grupo se había vuelto importante para el trabajo.
48. 安全地帯 (Anzen Chitai) — 安全地帯V (Anzen Chitai V)
Anzen Chitai V contiene 36 canciones y se publicó como triple LP y doble CD. El tamaño del proyecto refleja tanto la posición comercial del grupo como el tiempo de reproducción adicional disponible en CD. Es el ejemplo más literal de esta selección de un álbum que se expande durante la transición entre formatos.
49. 中森明菜 (Akina Nakamori) — CRIMSON
El segundo álbum número uno de Nakamori en 1986 se construyó alrededor de cinco composiciones de 竹内まりや (Mariya Takeuchi) y cinco de 小林明子 (Akiko Kobayashi). La división exacta proporciona a CRIMSON un diseño interno claro mientras sitúa la interpretación de Nakamori en el centro. Su asociación posterior con el city pop le ha proporcionado otro público sin cambiar su fuerza original como álbum idol cuidadosamente dirigido.
50. 喜多郎 (Kitaro) — 天空 (Tenku)
Tenku inició el acuerdo mundial de Kitaro con Geffen y marcó el comienzo de su carrera discográfica estadounidense. Su vía hacia el extranjero fue distinta de las estrategias de hard rock y metal seguidas por LOUDNESS y VOW WOW: Kitaro entró en un mercado internacional de música de sintetizador y new age. El álbum completa el panorama de músicos japoneses que ensayaban distintas formas de distribución internacional durante el mismo año.