Dieses Interview wurde ursprünglich am 26. Mai 2024 veröffentlicht. Es wurde zur besseren Verständlichkeit redigiert und im redaktionellen Format neu aufgebaut, das J-POP streaming 2026 eingeführt hat. Hinweise auf zukünftige Projekte bleiben in ihrem ursprünglichen Kontext von 2024.
Flehmann baut Songs aus Klängen: ein Akkord, der sich mit jedem Schlag verändert, ein Vogel, den er in einem Park aufgenommen hat, ein Rhythmusmuster, von dem er weiß, dass er es gern wiederholt. Worte und Bilder können warten. Zuerst braucht er etwas, das er hören kann.
Dieser Ansatz führte ihn von instrumentaler elektronischer Musik zu Kooperationen mit Sängerinnen und Sängern, VTubern und VSingern. Er prägte auch „Save my love“, das am 1. Mai 2024 erschien: einen Disco-House-Track, in dem Sheenas synthetisierte Stimme zwischen Englisch und Japanisch wechselt. J-POP streaming hatte den Song bereits für die Playlist 2024 ausgewählt, als dieses Interview stattfand.
Flehmann bezeichnet sich nicht als professionellen Musiker. Er hat einen anderen Beruf, komponierte jahrelang nicht und kehrte während der COVID-19-Pandemie zur Musik zurück, weil sie etwas war, das er zu Hause machen konnte. Diese Unterscheidung ist ihm wichtig. Die Arbeit selbst ebenso.
Ein gebrauchter Synthesizer und die Idee, gehört zu werden
Deine Geschichte beginnt mit einem gebrauchten Synthesizer. Was hast du damit gemacht?
Meinen ersten gebrauchten Synthesizer bekam ich in der Mittelschule. Anfangs spielte ich mit den Klängen herum und kaufte Noten populärer J-POP-Songs, um sie auf dem Klavier zu spielen. Dann begann ich, mit dem eingebauten Sequencer des Synthesizers eigene Stücke zu machen. Sie waren schrecklich — kaum als Songs zu bezeichnen —, aber damals begann ich davon zu träumen, eines Tages meine eigene Musik mit der Welt zu teilen.
Welche Platten halfen dabei, aus dieser Neugier eine musikalische Sprache zu entwickeln?
Als Teenager wurde ich stark von elektronischer Musik beeinflusst: Techno, House und Electronica. Ich hörte Derrick May und Ken Ishii, Drum-and-Bass-Künstler wie 4hero und Goldie sowie Musiker wie Matthew Herbert und Mouse on Mars.
Besonders liebte ich French Touch und Filter House. Daft Punk und Cassius konnten elektronische Musik poppig und unmittelbar wirken lassen. Gleichzeitig hörte ich die großen J-POP-Künstler jener Zeit. Beide Seiten sind bis heute in meiner Musik zu hören, besonders in den Melodien, Songstrukturen und Beats.
Hast du je beschlossen, dass Musik dein Beruf werden müsse?
Nein. Ich habe einen anderen Hauptberuf und bin deshalb kein professioneller Musikkünstler. Ich mache einfach sehr gern Musik.
Schon als Student hatte ich Stücke komponiert und über unabhängige Labels in Japan veröffentlicht, hörte aber lange damit auf, nachdem ich ins Berufsleben eingestiegen war. Im Juli 2020 begann ich als Flehmann wieder. Die Pandemie schränkte ein, wohin wir gehen konnten, und Komponieren war etwas, das ich zu Hause machen konnte. Das brachte mich zurück.
Mit dem Klang selbst beginnen
Wenn du ein neues Projekt öffnest, was ist normalerweise zuerst da?
Eine zentrale Klangidee. Ich frage mich vielleicht, was passiert, wenn die Akkordbegleitung auf jedem Schlag wechselt. Oder ich baue einen Track um eine gute Aufnahme von Vogelgesang herum, die ich in einem Park gemacht habe. Ich beginne selten mit einem Konzept, das sich in Worten oder Bildern ausdrücken lässt. Meist kommt zuerst ein bestimmter Klang, eine Klangfarbe oder ein Beatmuster, und daraus baue ich den Song.
Elektronische Musik verändert sich schnell. Wie vermeidest du es, jedem neuen Genre hinterherzulaufen und hältst deine Produktion trotzdem aktuell?
Musik in Japan und anderswo mischt heute sehr viele Genres. Sie teilen sich in kleinere Kategorien, verbinden sich neu und bringen noch mehr Kategorien hervor. Mit jedem Trend Schritt zu halten, ist schwierig.
Stattdessen konzentriere ich mich darauf, dass die Klangqualität nicht veraltet wirkt. Ich achte auf den Bassbereich, den Einsatz von Hall und Delay und die Balance im Vocal-Mix. Wenn diese Grundlagen stimmen, kann ich in den Genres arbeiten, die ich liebe, und die Strukturen verwenden, die sich für mich natürlich anfühlen.
Was macht einen Track auch bei wechselndem Genre eindeutig zu deinem?
Ich transportiere nicht von Song zu Song dieselbe Botschaft. Ich möchte, dass jemand einen Track hört und denkt: „Das klingt nach Flehmann.“ Deshalb versuche ich, bestimmte melodische Wendungen und Rhythmusmuster beizubehalten, auch wenn ich das Genre wechsle.
Es ist ein wenig peinlich, die eigenen Eigenheiten zu analysieren, aber zugleich interessant. Sie sind wie sprachliche Angewohnheiten oder seltsame Kritzeleien, die man unbewusst auf einen Notizblock zeichnet. In der Musik habe ich dieselben Gewohnheiten: Melodien, die meine Finger von selbst finden, und bestimmte Arten, Beats zu arrangieren. Ich versuche sie zu verstehen und einige davon in jedem Song zu lassen.
„Save my love“: zwei Sprachen, eine Stimme
„Save my love“ verbindet Englisch und Japanisch rund um Sheenas synthetisierte Stimme. Was hat dir das ermöglicht?
Es ist mir eine Ehre, dass J-POP streaming „Save my love“ für die Playlist 2024 ausgewählt hat. Vielen Dank.
Der Song hat Gesang, aber ich habe dafür nicht mit einer menschlichen Sängerin zusammengearbeitet. Ich nutzte Synthesizer V, um Sheenas Stimme zu erzeugen. Die Technologie beherrscht sowohl Englisch als auch Japanisch sehr gut, und ich wollte, dass der Übergang zwischen beiden Sprachen nahtlos klingt.
Die Produktion klingt hell, die Geschichte aber nicht. Was sollten die Hörer darin finden?
Der Text erzählt eine leicht melancholische Geschichte über eine Trennung statt einer glücklichen Liebesgeschichte. Ich hoffe, die Hörer genießen das grenzenlose Gefühl, das durch die englischen und japanischen Texte entsteht, zusammen mit der Pop-Sensibilität von French Touch und Disco House, die ich liebe.
Das Cover stammt vom Illustrator Naoyoshi. Seine Stimmung passt zur Geschichte des Textes, deshalb wünsche ich mir, dass die Menschen Musik und Artwork gemeinsam erleben.
Für andere Stimmen schreiben lernen
Heute veröffentlichst du viele Vocal-Tracks, obwohl Flehmann mit Instrumentals begann. Was hat sich verändert?
Die Zusammenarbeit mit Sängerinnen und Sängern ist einer der schwierigsten und zugleich schönsten Teile dieses Projekts. Bevor ich begann, als Flehmann Musik zu veröffentlichen, hatte ich nie Vocal-Musik gemacht. Mit einer Stimme zusammenzuarbeiten war ein vager Wunsch — etwas, das ich eines Tages einmal ausprobieren wollte.
Zunächst veröffentlichte ich Instrumentals. Als mehr Menschen sie entdeckten, eröffneten soziale Medien Möglichkeiten, mit Vocalists zu arbeiten. In jüngerer Zeit habe ich auch mit VTubern und VSingern zusammengearbeitet. Jede Zusammenarbeit war inspirierend, weil die Stimme eines anderen Menschen verändert, was aus der Musik werden kann.
Die visuelle Seite entwickelte sich auf ähnliche Weise. Ich begann, mit Illustratoren an Cover-Artworks und Musikvideos zu arbeiten, statt das Bild als etwas zu behandeln, das erst am Ende hinzukommt.
Einige Tracks wurden außerdem in offizielle Playlists von Spotify, Apple Music und YouTube Music aufgenommen. Zu sehen, wie die Musik durch diese Auswahlen zirkulierte, motivierte mich weiterzumachen, aber ich habe immer noch das Gefühl, sehr viel lernen zu müssen. Ich setze mich nicht stark unter Druck und sehe mich nicht als erfolgreichen Künstler. Ich möchte regelmäßig weiter Musik veröffentlichen, weil ich sie gern mache.
Was danach kam
Die Zusammenarbeit, an der Flehmann zum Zeitpunkt dieses Interviews arbeitete, erschien am 10. Juli 2024 als „Natsu-iro Outsider“ mit der Sängerin Megumi Ebina.
Als wir im Mai 2024 miteinander sprachen, was nahm bereits Gestalt an?
Ich bereitete für Juli eine Zusammenarbeit mit der Sängerin Megumi Ebina vor. Sie brachte Garage-Elemente in meine Musik, die ich zuvor kaum erkundet hatte. Ihre klare Stimme über einem schnellen Beat gab dem Track eine Energie, die ich unbedingt mit anderen teilen wollte.
Ich plante, weiter mit Vocalists, VTubern und VSingern zu arbeiten. Gelegenheiten sind nicht immer leicht zu finden, aber ich würde auch sehr gern mit Sängerinnen, Sängern und Künstlern außerhalb Japans zusammenarbeiten. Meine Musik, einschließlich der Kollaborationen, kann lizenzgebührenfrei kommerziell genutzt werden, und diese Initiative möchte ich fortsetzen.
Der Großteil der Produktion stammt weiterhin von mir, und Software-Instrumente sind inzwischen überzeugend genug, um Türen zu öffnen, die früher verschlossen schienen. Eines Tages würde ich gern Rock oder Pop im Band-Stil ausprobieren.
Wenn du einen Abend lang mit einem Musiker sprechen könntest, wen würdest du wählen?
Matthew Herbert. Ich habe Bodily Functions unzählige Male gehört. Das Album trägt gesellschaftliche und dunklere Ideen in sich, ohne belehrend zu werden. Es ist eingängig, schön, eigenständig und verspielt. Ich würde ihn gern fragen, wo solche musikalischen Ideen beginnen.
Und wenn deine eigenen Ideen ausbleiben?
Dann spiele ich Videospiele. Eine Pause erfrischt normalerweise meinen Kopf, und oft kommt danach eine Idee.
Oder vielleicht will ich einfach nur einen Vorwand zum Spielen.