Wywiad ukazał się pierwotnie 26 maja 2024 roku. Został zredagowany dla większej przejrzystości i przebudowany zgodnie z formatem redakcyjnym przyjętym przez J-POP streaming w 2026 roku. Odniesienia do przyszłych projektów pozostają w swoim pierwotnym kontekście z 2024 roku.
Flehmann buduje utwory z dźwięku: akordu zmieniającego się na każde uderzenie, ptaka nagranego w parku, rytmicznego schematu, który — jak sam wie — często powtarza. Słowa i obrazy mogą poczekać. Najpierw potrzebuje czegoś, co może usłyszeć.
Takie podejście zaprowadziło go od instrumentalnej elektroniki do współpracy z wokalistami, VTuberami i VSingerami. Ukształtowało również „Save my love”, wydane 1 maja 2024 roku: utwór disco house, w którym syntezowany głos Sheeny przechodzi między angielskim a japońskim. J-POP streaming wybrał tę piosenkę do playlisty 2024 jeszcze przed rozmową.
Flehmann nie nazywa siebie profesjonalnym muzykiem. Ma inną pracę, przez lata nie komponował, a podczas pandemii COVID-19 wrócił do muzyki, ponieważ mógł tworzyć ją w domu. To rozróżnienie jest dla niego ważne. Sama praca również.
Używany syntezator i marzenie, by zostać usłyszanym
Twoja historia zaczyna się od używanego syntezatora. Co z nim zrobiłeś?
Pierwszy używany syntezator dostałem w gimnazjum. Na początku bawiłem się brzmieniami i kupowałem nuty popularnych piosenek J-POP, żeby grać je na pianinie. Później zacząłem korzystać z wbudowanego sekwencera do tworzenia własnych utworów. Były okropne — właściwie trudno nazwać je piosenkami — ale wtedy zacząłem marzyć, że kiedyś podzielę się własną muzyką ze światem.
Jakie płyty pomogły zmienić tę ciekawość w język muzyczny?
Jako nastolatek byłem pod silnym wpływem muzyki elektronicznej: techno, house i electroniki. Słuchałem Derricka Maya i Kena Ishii, artystów drum and bass takich jak 4hero i Goldie, a także Matthew Herberta i Mouse on Mars.
Szczególnie kochałem French touch i filter house. Daft Punk i Cassius potrafili sprawić, że elektronika brzmiała popowo i bezpośrednio. Słuchałem też największych artystów J-POP tamtych lat. Obie strony nadal są obecne w mojej muzyce, zwłaszcza w melodiach, strukturach utworów i bitach.
Czy kiedykolwiek uznałeś, że muzyka musi stać się twoim zawodem?
Nie. Mam inną pracę jako główne zajęcie, więc nie jestem profesjonalnym artystą muzycznym. Po prostu bardzo lubię tworzyć muzykę.
Od czasów studenckich komponowałem i wydawałem utwory w niezależnych japońskich wytwórniach, ale po rozpoczęciu pracy zawodowej na długo przestałem. W lipcu 2020 roku wróciłem jako Flehmann. Pandemia ograniczyła możliwość wychodzenia, a komponować mogłem w domu. To przyciągnęło mnie z powrotem.
Zaczynać od samego dźwięku
Kiedy otwierasz nowy projekt, co zwykle pojawia się jako pierwsze?
Główna idea brzmieniowa. Mogę zastanawiać się, co się stanie, jeśli akord podkładu będzie zmieniał się na każde uderzenie. Mogę zbudować utwór wokół dobrego nagrania śpiewu ptaków zrobionego w parku. Rzadko zaczynam od koncepcji wyrażonej słowami lub obrazami. Najpierw pojawia się konkretny dźwięk, barwa albo wzór rytmiczny, a potem buduję z niego utwór.
Muzyka elektroniczna szybko się zmienia. Jak nie gonić za każdym nowym gatunkiem, a jednocześnie utrzymywać produkcję na czasie?
Muzyka w Japonii i poza nią miesza dziś bardzo wiele gatunków. Dzielą się na mniejsze kategorie, łączą ponownie i tworzą kolejne. Nadążanie za każdym trendem jest trudne.
Zamiast tego skupiam się na tym, żeby jakość brzmienia nie wydawała się przestarzała. Zwracam uwagę na dół pasma, użycie pogłosu i delayu oraz balans miksu wokalu. Kiedy te podstawy są właściwe, mogę pracować w gatunkach, które kocham, i używać struktur, które są dla mnie naturalne.
Co sprawia, że utwór pozostaje rozpoznawalnie twój, nawet gdy zmienia się gatunek?
Nie przenoszę jednego stałego przesłania z piosenki na piosenkę. Chcę, żeby ktoś usłyszał utwór i pomyślał: „To brzmi jak Flehmann”. Staram się zachowywać pewne frazy melodyczne i wzory rytmiczne nawet wtedy, gdy zmieniam gatunek.
Trochę niezręcznie jest analizować własne nawyki, ale to także ciekawe. Są jak przyzwyczajenia językowe albo dziwne bazgroły, które rysuje się bezwiednie w notatniku. W muzyce mam podobne odruchy: melodie, które moje palce naturalnie znajdują, oraz określone sposoby układania bitów. Próbuję je rozumieć i zostawiać część z nich w każdym utworze.
„Save my love”: dwa języki, jeden głos
„Save my love” łączy angielski i japoński wokół syntezowanego głosu Sheeny. Co ci to umożliwiło?
To dla mnie zaszczyt, że J-POP streaming wybrał „Save my love” do playlisty 2024. Dziękuję.
Utwór ma wokal, ale nie współpracowałem przy nim z ludzką wokalistką. Użyłem Synthesizer V do stworzenia głosu Sheeny. Technologia bardzo dobrze radzi sobie zarówno z angielskim, jak i japońskim, a ja chciałem, żeby przejście między językami było płynne.
Produkcja jest jasna, ale opowieść nie. Co chciałeś, żeby słuchacze w niej znaleźli?
Tekst opowiada lekko melancholijną historię rozstania, a nie szczęśliwą historię miłosną. Mam nadzieję, że słuchacze docenią poczucie braku granic tworzone przez angielskie i japońskie słowa, a także popową wrażliwość French touch i disco house, które lubię.
Okładkę stworzył ilustrator Naoyoshi. Jej emocja odpowiada historii z tekstu, więc chciałbym, żeby ludzie odbierali muzykę i grafikę razem.
Nauka pisania dla innych głosów
Dziś wydajesz wiele utworów wokalnych, choć Flehmann zaczął od instrumentali. Co się zmieniło?
Praca z wokalistami była jednym z najtrudniejszych i najbardziej satysfakcjonujących elementów tego projektu. Zanim zacząłem wydawać muzykę jako Flehmann, nigdy nie tworzyłem muzyki wokalnej. Współpraca z piosenkarzem była mglistym marzeniem — czymś, czego miałem nadzieję kiedyś spróbować.
Najpierw wydawałem instrumentale. Gdy zaczęło je odkrywać więcej osób, media społecznościowe otworzyły możliwości współpracy z wokalistami. Później zacząłem też pracować z VTuberami i VSingerami. Każda współpraca była inspirująca, ponieważ głos innej osoby zmienia to, czym muzyka może się stać.
Strona wizualna rozwijała się podobnie. Zacząłem współpracować z ilustratorami przy okładkach i teledyskach, zamiast traktować obraz jako coś dodawanego na końcu.
Niektóre utwory trafiły również na oficjalne playlisty Spotify, Apple Music i YouTube Music. Widok muzyki krążącej w tych zestawieniach zachęcił mnie do dalszej pracy, ale wciąż czuję, że mam bardzo dużo do nauczenia. Nie nakładam na siebie wielkiej presji i nie myślę o sobie jako o artyście, który odniósł sukces. Chcę regularnie wydawać muzykę, bo lubię ją tworzyć.
Co było dalej
Współpraca, którą Flehmann przygotowywał w czasie tego wywiadu, ukazała się 10 lipca 2024 roku jako „Natsu-iro Outsider” z wokalistką Megumi Ebiną.
Kiedy rozmawialiśmy w maju 2024 roku, co już nabierało kształtu?
Przygotowywałem na lipiec współpracę z wokalistką Megumi Ebiną. Wprowadzała do mojej muzyki elementy garage, których wcześniej prawie nie eksplorowałem. Jej czysty głos na szybkim bicie dawał utworowi energię, którą bardzo chciałem podzielić się z ludźmi.
Planowałem dalej współpracować z wokalistami, VTuberami i VSingerami. Okazje bywają trudne do znalezienia, ale chciałbym także pracować z piosenkarzami i artystami spoza Japonii. Moja muzyka, również współprace, jest dostępna do bezpłatnego licencyjnie użytku komercyjnego i zamierzam kontynuować tę inicjatywę.
Większość produkcji nadal wykonuję sam, a instrumenty programowe stały się na tyle przekonujące, że otwierają drzwi, które kiedyś wydawały się zamknięte. Pewnego dnia chciałbym spróbować rocka albo popu w stylu zespołowym.
Gdybyś mógł spędzić wieczór rozmawiając z jednym muzykiem, kogo byś wybrał?
Matthew Herberta. Słuchałem Bodily Functions niezliczoną liczbę razy. Album zawiera społeczne i mroczniejsze idee, ale nie staje się kaznodziejski. Jest chwytliwy, piękny, charakterystyczny i pełen zabawy. Chciałbym go zapytać, skąd biorą się te muzyczne pomysły.
A kiedy twoje własne pomysły przestają przychodzić?
Gram w gry. Przerwa zwykle odświeża mi głowę i często potem pojawia się pomysł.
Albo po prostu chcę mieć wymówkę, żeby pograć.